Trainer – „Athletic Statics“ (Fidel Bastro)

Ich würde ja gern diesen Text hier mit einer Floskel im Stil von „Mein Trainer hat mich immer dazu angespornt bla bla bla“ eröffnen, aber glücklicherweise haben mich meine Eltern nie in einen dieser Sportvereine gesteckt, in denen irgendwelche fiesen und sadistisch veranlagten Möchtegern-Feldwebel ihre „Schützlinge“ fast zu Tode quälen und ihnen literweise Schweiß und Blut aus dem ästhetisch muskulösen Körper quetschen. Ihr merkt schon, Trainer – egal welcher Sportart – genießen bei mir kein hohes Ansehen und als alte Punkerseele würde es mir nie im Leben einfallen, mich von irgendeinem Trainer schinden und herumkommandieren zu lassen! Das war jedenfalls bisher meine eiserne Einstellung, momentan stehe ich aber ein wenig auf der Kippe. Hey, da braucht es doch tatsächlich fast fünf Jahrzehnte, bis ich endlich mal einen fähigen Trainer kennen lernen darf, von dem ich mich zu ein paar Leibesübungen hinreißen lassen würde.

Die Sprache ist von diesem speziellen Trainer aus Saarbrooklyn, der ketterauchend und nägelkauend und am Rand des Nervenzusammenbruchs stehend unter irrem Geschrei und in Begleitung unkontrollierbaren Krachs zum Hüpfen, Zappeln und Luft-Trommeln animiert. Boah, das war jetzt aber eine etwas ausschweifende und umständliche Einleitung…es soll hier natürlich nicht um mein verkorkstes Sportleben gehen, sondern um die ziemlich neue Band Trainer, die mit Athletic Statics ihr Debutalbum am Start hat. Die Coaches haben eine lange und eindrucksvolle Sportlerkarriere hinter sich und haben schon für solch exklusive Vereine wie z.B. 2Bad, Karcher, Chandler, Zesura, Steakknife und Ex Nerven etliche Medaillen abgestaubt.

Zur Aufwärmübung legen die Jungs mit dem Opener oh-eeh-uh los. Reduzierte Gitarre und nervöses Getakte und ein unvorhersehbarer Wutausbruch, so könnte man das Ding in etwa beschreiben. Danach geht es vertrackt mit three times slower weiter. Das Quartett verzichtet übrigens gänzlich auf den Bass, dem rhythmischen Gefühl tut das aber keinesfalls weh, im Verlauf der knapp 37-minütigen Spielzeit groovt es bei ständigen Geschwindigkeitswechseln häufiger. Kann man gut ein paar Liegestütze nebenher machen! Die teils monotonen Rhythmen wirken fast wie ein Anfeuern oder ein rituelles Stoßgebet vor einem besonders harten Wettkampf. Hört euch mal den Titeltrack an, das hat fast schon was mantraartiges, mit dieser coolen Psycho-Gitarrenmelodie. Grob eingeordnet machen die Jungs da ein ziemlich chaotisches und dissonantes Gebräu aus Noise-Rock und etwas Emocore á la Karate (gerade der Song Simple Plan!). Und immer wieder kicken Dich diese brachialen und dreckigen Soundausbrüche heftig in den Arsch! Zwischendurch wird aber auch hin und wieder mal das Tempo rausgenommen, um ein bisschen Luft zu holen. Wer auf Bands wie Melvins, Slint, The Jesus Lizard, Shellac oder auch Craving steht, könnte auch Gefallen an Trainer finden!

8/10

Facebook / Bandcamp / Fidel Bastro


 

Blackmail – „(1997-2013)“ (Unter Schafen Records)

Kleiner Zeitsprung ins Jahr 2006: keiner in der True-Hardcore-Clique hat Lust, meine Liebste und mich in die Schweiz nach St. Gallen zu begleiten, um die Indie-Band Blackmail zu sehen. Jahrzehnte später, spätestens nachdem jetzt die ganzen Re-Issues der Koblenzer erschienen sind, dürfte das die ein oder andere Person vermutlich rückblickend noch schwer bereuen. Denn kaum zwei Jahre später trennte sich die Band im Streit von Sänger Aydo Abay. Jedenfalls feierte ich damals schon seit Längerem die frühen Werke der Band, die Gelegenheit einer Live-Show ergab sich jedoch leider nie. Nachdem mit dem Album Aerial View auch noch innerhalb kürzester Zeit eine innige Liebe entstand und die Jungs im Zuge des Albums ausgiebig tourten, war dann endlich im Rahmen des kleinen Talhoffestivals der Zeitpunkt gekommen. An einem lauen Herbsttag kamen wir schon früh in St. Gallen an und parkten irgendwo im Nobelviertel, um den saftigen Parkgebühren zu entgehen. Einen zwanzigminütigen Fussmarsch nimmt man da gern in Kauf. Der Club war auch schnell gefunden, zu unserer Verwunderung war die Location in einem Hochhaus in der obersten Etage. Eine etwas seltsame Atmosphäre war zu spüren, die anwesenden Leute waren irgendwie anders, als wir es von unserem Hardcore-Punk-Kosmos gewohnt waren. Fast kamen Zweifel auf, ob die anwesenden Hippies, die Goa-Trance-Jünger mit den weiten Pupillen, die Handvoll Grufties und der bekiffte Typ mit dem Slipknot-Shirt auf der richtigen Veranstaltung waren oder ob wir uns gar verirrt hatten. Mit der Vorband Werle & Stankowski hatten wenigstens die Hippies ihren Spaß, denn die zwei Typen kamen barfuss auf die Bühne und machten so ’ne ruhige Mischung aus Indie, Singer-Songwriter, Pop und Elektronik.

Und dann kamen Blackmail und feuerten ein wuchtiges Set voller Hits ab, so dass wir im kaum gefüllten Mini-Club vor Freude grinsend, hüpfend und tanzend den Spaß unseres Lebens hatten. Diese vier verschrobenen Typen zogen professionell ihr Ding durch, witzig fand ich dabei Kurt Ebelhäuser, der zwischen den Songs immer wieder kryptische und satanische Botschaften ins Mikrofon murmelte. Außerdem griff er seine Gitarre größtenteils von oben, weiß der Teufel wie er seiner Gitarre trotzdem diesen geilen Sound entlockte. Dazu der fuzzy Bass von Carlos Ebelhäuser, der die aufgestellten Nackenhärchen zum Vibrieren brachte. Und als Krönung des Ganzen Aydo Abay, der ständig in Bewegung war und mit seiner Stimme den Songs die nötige Portion Melancholie verlieh. Hits wie Ken I Die, It Could Be Yours, Moonpigs, Everyone Safe, (Feel It) Day By Day, Same Sane und natürlich Today brachten uns dazu, am Ende des Konzerts klatschnass, verschwitzt und absolut glücklich durch die laue Herbstnacht zum Auto zu laufen und enthusiastisch darüber zu diskutieren, warum den Jungs eigentlich immer wieder Arroganz unterstellt wurde. Eher waren wir davon überzeugt, eine der intensivsten Indie-Rock-Shows auf internationalem Niveau gesehen zu haben. Dass der Club damals nicht restlos ausverkauft war und das Publikum eher teilnahmslos dem Sound der Jungs gegenüberstand, wundert mich eigentlich noch bis heute.

Nach dem Split mit Aydo Abay war ich richtig traurig. Und dann verlor ich die Band fast komplett aus den Augen. Kleiner Zeitsprung ins Jahr 2011: Blackmail spielen kaum zehn Gehminuten von meiner Wohnung entfernt auf dem U&D-Festival, und zwar mit dem neuen Sänger Mat Reetz. Im Vorfeld horchte ich nur mal so halblebig in das damals neu erschienene Album Anima Now! rein, so richtig wollte mich das nicht mehr packen. Und live sprang der Funke leider auch nicht über, selbst die altbekannten Gassenhauer wirkten nicht mehr wie damals in diesem seltsamen Hochhaus-Club. Nachdem ich jetzt aber aus der Neuphase der Band die beiden Stücke Deborah und Impact gehört habe, werde ich den Post-Aydo Abay-Veröffentlichungen doch noch mal eine Chance geben. Aber davor wird es endlich mal wieder Zeit in Nostalgie zu schwelgen. Die Doppel-LP kommt im aufklappbaren Gatefold-Cover und liegt schön schwer in der Hand. Insgesamt sind auf dieser Best-Of und Raritätensammlung 23 Songs zu hören. Kleiner Sprung in die Gegenwart: Das Doppelalbum bietet also einen hervorragenden Überblick über die Großartigkeit einer der wichtigsten Indie-Rock-Bands Deutschlands und dürfte für Fans und „Neuentdecker“ ebenso interessant sein. Und wenn ihr dann schon angefixt seid, dann holt euch auch noch gleich die lange vergriffenen Alben Friend Or Foe und Bliss Please, denn die wurden ebenfalls auf Unter Schafen Records neu aufgelegt. Vielen Dank dafür, das war längst überfällig!

10/10

Facebook / Homepage / Unter Schafen Records


 

Bandsalat: Aches, …And Its Name Was Epyon, Blackup, Cadet Carter, Dv Hvnd, The Razorblades, The Sewer Rats, Tim Vantol

Aches – „Dead Youth“ (DIY) [Name Your Price Download]
Die 5-köpfige Band Aches kommt straight outta Mannheim und veröffentlicht mit Dead Youth ihre mittlerweile zweite EP in Eigenregie via Bandcamp & Co. Und ja, das was die Jungs da fabriziert haben, kann sich durchaus hören lassen! Insgesamt gibt es sieben Tracks auf die Ohren, die musikalischen Vorbilder sind mit Bands wie z.B. More Than Life, Modern Life Is War, Giver, Life Long Tragedy oder Landscapes schnell verortet. Geboten wird also melodischer Modern-Hardcore, der zudem eine emotionale Kante vorweisen kann, gleichzeitig aber auch genügend Pfeffer im Hintern hat. Auch wenn die Melodie im Vordergrund steht, ist eine düstere Grundstimmung zu erkennen, die dann im letzten und ruhigsten Stück Asleep gipfelt, hier bleiben die Jungs rein instrumental und außer ein paar Rückkopplungsgeräuschen fast schon unverzerrt. Meine beiden Songfavoriten sind das mit einem verdammt catchy Gitarrenriff ausgestattete Stuck und das nach vorne preschende Lethargy. Der Sound ist übrigens schön satt abgemischt. Aufgenommen wurde mit Christian Bethge (The Tidal Sleep, Spirit Crusher, Criminal Body), gemastert hat Lewis Johns (Canvas, Giver, Grieved, Svalbard, More Than Life). Also, schaut mal vorbei, das hier hat wirklich Potential und zudem hatten die Jungs mit ihrem Release-Termin im April 2020 nämlich wie so einige Bands vor, die EP live zu supporten, was bekanntermaßen nicht möglich war/ist.


…And Its Name Was Epyon – „Visit To A Grave“ (DIY/Larry Records) [Name Your Price Download]
Nachdem die kalifornische Screamo-Band …And Its Name Was Epyon mit ihrer Debut-EP in der einschlägigen Szene bereits etliche Lorbeeren eingesammelt hat, hat das Trio seit Herbst letzten Jahres nun die zweite EP am Start. Und ja, die ist richtig geil und intensiv geworden! Die Jungs sind total mit sich im Einklang und spielen sich innerhalb von vier Songs dermaßen in Extase, da richten sich permanent die Nackenhärchen auf! Geboten wird emotive Screamo der Extraklasse! Geheultes Herzschmerzgeschrei, melancholische Gitarren, abgefahrene Songstrukturen, vertrackte Rhythmen, unterschwellige Melodien und ein wenig Chaos machen diese EP zu einem intensiven Hörerlebnis! Hört mal in den Song Side 7 rein, da ist eigentlich die ganze Bandbreite der Band zusammengefasst!


Blackup – „Club Dorothee“ (Rookie Records) [Stream]
Da mir Blackup aus Ghent/Belgien total unbekannt waren, hab ich einfach mal geschaut, was die Jungs bisher so vorzuweisen haben. Ach herrje, ganze neun Jahre sind seit dem letzten Album vergangen! Zwischendurch erschien eine EP und eine Split. Und nun also das zweite Album. Darauf sind zwölf frisch klingende Songs enthalten, die man grob im melodischen Punkrock/Garage-Punk einordnen kann, ein paar Noise-Einflüsse schimmern auch noch durch. Wer Bands wie die Wipers, Hot Snakes oder Rocket From The Crypt verehrt, dürfte auch am knackigen Sound des Quartetts Gefallen finden. Könnte mir vorstellen, dass Blackup live sicher verdammt gut rüberkommen könnten, denn diese Aufnahmen klingen sehr lebendig und authentisch. Die Zutaten sind zwar einfach, die Wirkung aber umso größer. Hier dringen fantastisch melodische Gitarren an die Oberfläche, dort gibt es coole Refrains zu entdecken, die pumpende Rhythmusmaschine aus Bass und Drums gibt den treibenden Takt an und natürlich darf dazu der Gesang nicht fehlen, der zwischen rau, melancholisch und hymnisch pendelt. Ja, Blackup machen hier alles richtig!


Cadet Carter – „Perceptions“ (Uncle M) [Stream]
Mit ihrem Debut-Album legten die Münchener Jungs von Cadet Carter die Messlatte ziemlich hoch. Obwohl mir das Album so gut gefiel, hab ich es versäumt, die Band irgendwie über Social Media oder auf anderen Kanälen zu stalken. Mittlerweile erschien ohne mein Wissen ’ne 3-Song-EP und wenn die lieben Leute von Uncle M mich nicht regelmäßig mit physischen Releases per Post versorgen würden, hätte ich das zweite Album der Jungs vermutlich gar nie mitbekommen. Was doch echt mal extrem schade gewesen wäre! Denn Cadet Carter machen auch beim Nachfolger zum Debut alles richtig, wenn nicht gar perfekt! Fangen wir mal beim blaustichigen Albumcover an: die Fotografie könnte auch in der Corona-Krise entstanden sein, oder? Eine leere Flughafenhalle mit nur einem Typ drin, der hirnlos auf ein Handy-Display starrt. Oh Mann, ich würde mir wünschen, dass der Flugraum über Deutschland für immer so leer bleiben würde, wie er die letzten paar Monate war. Aber wahrscheinlich sind die Flughafenhallen bald wieder mit schlafenden und stümperhaften Mund-Nase-Schutz-tragenden Menschen besetzt, die unbedingt irgendwo hin wollen, wo man sie absolut nicht haben will. Okay, der Digipack lässt sich aufklappen, aber leider gibt es kein Textheftchen. Wir Neunziger-Nostalgie-Nichtsnutze können ohne solche selbstverständlichen Gimmicks mit CD-Digipacks nichts anfangen, aber eigentlich ist es nicht schlimm, man versteht die gesungenen Texte ohne Probleme. Und ich verzeihe angesichts der zwölf sagenhaft tollen Songs jeglichen anderen Fauxpas, der weitaus schlimmer wäre, wenn es ihn überhaupt gäbe. Und warum ist das Ganze hier so faszinierend? Unvorhersehbare Songstrukturen treffen auf eingängige Hooks, dazu gesellen sich Refrains, die sich erst nach mehrmaligem Hören einbrennen, aber dann für immer bleiben. Die mehrstimmigen Refrains dürften Jimmy Eat World-Fans etliche Tränen in die Augen treiben, Midwest-Emo- und 90’sEmo-Fans sollten hier auch auf ihre Kosten kommen!


Dv Hvnd – „Bollwerk“ (Last Exit Music) [Stream]
Meine Deutschpunk-Phase ist ja schon einige Jahrzehnte her, damals holte man sich die einschlägigen Infos aus Zines wie dem Plastic Bomb oder dem Pankerknacker. Momentan bin ich in dieser Szene nicht so wirklich verankert, daher war mir der Sound der Band aus Wiesbaden auch nicht geläufig, bis diese Digipack-CD in meinem Briefkasten landete. Dabei gibt es die Band jetzt auch schon wieder seit 2012. Nun, die abgedruckten deutschen Texte prophezeien schonmal, dass wir es hier nicht mit peinlichem Fun-Punk oder stumpfem Sauf-Punk zu tun haben. Gesellschafts- und Sozialkritik sind immer wiederkehrende Themen auf diesem Bollwerk. Melodische Gitarren an der Schwelle zum Skate-Melodypunk, treibende Drums und Hits am laufenden Band lassen die zehn Songs mit einer Spielzeit knapp über 20 Minuten verdammt kurzweilig erscheinen. Wenn ihr euch eine Mischung aus Supernichts, V-Mann Joe, But Alive, Helmut Cool, Knochenfabrik und NOFX vorstellen könnt, dann solltet ihr hier mal reinhören.


The Razorblades – „Howlin‘ At The Copycats“ (General Schallplatten) [Video]
Die etwas ungewöhnliche Aufmachung der CD passt vom Format her leider nicht in den CD-Schrank, das kleine Teil muss in die 7inch-Kiste gepackt werden. Aber vorerst wird das Album noch ein paar Runden im Player zurücklegen und dann brauch ich für unterwegs noch einen mp3-Rip. Denn The Razorblades machen arschcoolen Surf-Rock, der dazu noch super ins Ohr geht und Elemente von Punk und Powerpop mit an Bord hat. Insgesamt 16 Songs haben die Wiesbadener Urgesteine auf die CD gepackt. Die LP-Version kommt als Doppel-LP im Gatefold-Cover und ist sicher auch nicht zu verachten. Jedenfalls ist das Album mit einer Spielzeit von 47 Minuten zwar recht lang ausgefallen, dennoch kommt keinerlei Langeweile auf. Das liegt v.a. an den abwechslungsreichen Songstrukturen und den locker aus den Ärmeln gespielten Twang-Gitarren. Ein paar Lieblingssongs sind natürlich schnell gefunden, z.B. Smelling Like A Dog and Dancing Like A Chicken, I Wish You Wouldn’t Dance Away, King Of The Penguins oder Upside Down wären da zu nennen, aber auch die wenigen Songs mit Gesang sind erste Klasse! Eigentlich der perfekte Soundtrack für ein 70er-Kult-Roadmovie!


The Sewer Rats – „Magic Summer“ (Uncle M) [Stream]
Der Sommer kann kommen! Und zwar mit dem vierten Album der Kölner Jungs The Sewer Rats. Ab dem ersten Song scheint der Mucke die Sonne aus dem Arsch und man bekommt direkt Lust, das Skateboard aus dem Keller zu entstauben und die alten Knochen ernsthafter Gefahr auszusetzen. Vom Sound her wird hier dem Ami-Skate-Punk der 90er kräftig Tribut gezollt. Und das mit Leidenschaft und verdammt viel Spielfreude, so dass man gar nicht anders kann, als hibbelig im Takt mit allen Gliedmaßen mitzuwippen. Eine Hymne jagt die nächste, dazu gefällt der satte Sound, den man auf so manch einer 90er-Produktion einst vermisste. Die Jungs haben sicher einige Fat Wreck-Platten im Schrank stehen, man hat natürlich sofort Zeugs wie Satanic Surfers, Grey Area, Lagwagon, Propagandhi , Less Than Jake, Swingin‘ Utters und auch die Ramones im Ohr. Songs wie Rejuvenate, Quitting My Job oder Total Creep versprühen einfach diese jugendliche Frische, die sicher jeder Punkrockfan schon mal in irgendeiner Form erlebt hat, siehe z.B. Down For Life! Übrigens ist die Digipack-CD schön gestaltet, natürlich wieder mit den gezeichneten Ratten, die es auf die Straße zieht, um den einen, großen Magic Summer zu erleben! Also, holt euch fix den Sommer ins Haus und fahrt mit runtergekurbeltem Fenster und dem Sound der Sewer Rats voll aufgedreht durch eure Hood!


Tim Vantol – „Better Days“ (Eminor Seven Records) [Stream]
Von allen Solo-Punkrock-Singer-Songwritern ist mir neben Frank Turner Tim Vantol irgendwie der Liebste. Denn irgendwie merkt man seinen Songs die Leidenschaft und Energie an, auch das aktuelle Werk strotzt vor purer Spielfreude, zudem haben seine Songs alle eine schöne Punknote, lahmarschige Country-Lagerfeuermusik sucht man hier vergebens. Die zehn Songs strahlen eine lebensfreudige Stimmung aus, obwohl es dem gebürtigen Niederländer in den letzten Jahren mental nicht so rosig ging und sogar eine bereits aufgenommene EP mit düsterem Songmaterial wieder verworfen wurde. Den eigenen Dämonen wurde also der Kampf angesagt und Tim Vantol fand zu neuem Lebensmut, vielleicht war hier auch der liebesbedingte Umzug von der lauten Großstadt ins ländliche Berchtesgaden ein großer Pluspunkt für das Seelenleben des Musikers. Und all das ist auf Better Days wahrlich zu hören. Die Gitarren haben einige catchy Hooklines am Start, manchmal wird auch ein bisschen der Saft aufgedreht, dazu gesellen sich kräftig gespielte Drums, die Dich einmal ums Lagerfeuer jagen. Und natürlich darf Tim Vantols einfühlsame Stimme nicht fehlen, die immer den vollen Einsatz bringt und auch mal kraftvoll die Akkorde zu überschreien versucht. Die Texte behandeln logischerweise persönlichen Kram. Wenn ihr also zwischendurch mal ein rockiges Album mit Seele hören wollt, dann ist Better Days genau das richtige für euch!


 

Wishes On A Plane – „Unreleased“ (time as a colour/old kids records)

Bei Platten wie dieser hier wird mir einfach alleine vom Anschauen her warm ums Herz! Mit ein paar geschickten Handgriffen und ganz viel Herzblut ein großartiges Albumartwork zu entwerfen, das erfordert sehr viel Liebe, Geduld, Zeit und natürlich Klebstoff. Wenn man das 12inch-Release genauer unter die Lupe nimmt, dann kann man den ausgeprägten DIY-Charakter förmlich spüren. Verpackt ist die 12inch in einem hübsch bestempelten Naturkarton mit ausgestanztem Sichtfenster. Der ausgestanzte Karton wurde übrigens praktischerweise im Karton gelassen und handschriftlich mit der „Produktionsnummer“ versehen. Ein Downloadcode liegt bei, ein handliches Textblatt ist auch mit an Bord. 200 Stück wurden insgesamt angefertigt, es gibt zwei Vinylfarben (schwarz/beige), das 180g-Vinyl liegt schön schwer in der Hand. Auf der schwarzen, gefütterten 12inch-Innenhülle sind auf der Höhe des Sichtfensters auf jeder Seite zwei schwarz-weiß-Fotografien aufgeklebt. Passend zum Sichtfenster wird hier der Blick aus einem Fenster aus minimal unterschiedlichen Perspektiven preisgegeben. Allein das Foto vermittelt sehr viel Melancholie, irgendwie hat man beim Betrachten das Gefühl, dass hier verblasste Erinnerungen aus einer vergangenen Zeit abgebildet sind.

Womit wir eigentlich auch schon beim geschichtsträchtigen Hintergrund zu diesem Release angekommen wären: Unter dem Namen A Life Less Ordinary im Jahr 2002 in München als Quartett gegründet, benannte sich die Band ziemlich bald in Wishes On A Plane um, bis zum Split der Band im Jahr 2009 erschienen eine 10inch und eine Split-7inch. Sänger und Gitarrist Daniel Becker startete danach übrigens Duct Hearts, die ja bis heute aktiv sind. Woher stammen nun also die fünf Songs auf diesem Release? Nun, die Antwort findet sich kleingedruckt auf dem Textblatt: In den Jahren 2005 und 2006 wurden die Instrumente und ein paar Vocals aufgezeichnet. Diese Aufnahmen schlummerten bis ins Jahr 2019 in irgendeiner Kiste und wurden dann um einige Vocals von Daniel Becker vervollständigt, die Tonmeisterei polierte anschließend noch ein bisschen drüber, so dass man bereits beim ersten Durchlauf sentimental werden könnte und heilfroh ist, dass dieses Release posthum möglich gemacht wurde und nicht in irgendeiner Kiste verrotet ist.

Vom Sound her wird man dabei nämlich ganz schön an die Zeit zwischen den Neunzigern und der Jahrtausendwende erinnert. Bands wie Elliott, Sometree, Texas Is The Reason, Christie Front Drive, Sunny Day Real Estate, Penfold, Mineral oder Mid Carson July dürften den Sound von Wishes On A Plane gewaltig beeinflusst haben. Dementsprechend emotional geht es in einer halben Stunde Spielzeit zur Sache. Textlich wie musikalisch gibt es einiges an Herzschmerz zu fühlen, Gänsehaut-Momente sind hier häufig zu finden. Alleine der Auftakt Your Place Is Still…offenbart, dass dieses Release noch etliche Male auf meinem Plattenspieler seine Runden drehen wird. Die luftigen Gitarren und der eigenwillige Bass, der zerbrechliche Gesang und die eigentlich doch ganz raue Aufnahme, das kraftvolle Schlagzeug und die melancholische Melodie, das alles hat so viel lebendigen und intensiven Charakter! Irgendwie hab ich bei dieser Musik das Bild von unendlichen Landschaften vor Augen. Beim nachfolgenden Song Perfect kommt dieser eigenwillige Bass noch deutlicher zum Vorschein, zusammen mit diesen flächigen Gitarren, die durch unendliche Weiten schwirren und diesen mehrstimmigen Vocals ist das einfach ein Hochgenuss. Die Melancholie verstärkt sich noch beim ruhigeren .​.​. At The Heart Of My Everything, das gegen Ende doch noch aus sich herausbricht. Es gibt bis zu den letzten Tönen zum achteinhalbminütigen Finale Release so viele Momente auf dieser Platte, in denen ich ergriffen vor mich hinlächle. Und ich verspreche, dass das allen Mid-90’s-Emo-Fans ebenfalls so ergehen wird! Eine absolute Herzplatte! Wenn euch das Making Of dieses Releases interessieren sollte, empfehle ich euch, dieses Video anzusehen!

10/10

Bandcamp / time as a color


 

Bandsalat: Akne Kid Joe, The Amity Affliction, Antilope, Bad Assumption, Kramsky, Llacuna, Rotting Out, Shirley Holmes

Akne Kid Joe – „Die große Palmöllüge“ (Kidnap Music) [Stream]
Deutschpunk mit pfiffigen Texten, die in alle Richtungen Lebensweisheiten und Gemeinheiten feuern, findet man heutzutage ja eher selten. Bei Akne Kid Joe gehört das aber seit Bandgründung zum guten Ton, auch wenn die Texte im Reim-Dich-Oder-Ich-Fress-Dich-Stil vorgetragen werden. Mit permanent ironischem Unterton teilen Akne Kid Joe in alle Richtungen aus. In Sarah (Frau, auch in ’ner Band) geht es z.B. um die geringe Frauenquote in der Punk-Szene, in der Frauen nicht als Individuen, sondern vorwiegend als Freundinnen von Musikern wahrgenommen werden. Es müssen mehr Frauen den Weg aus der letzten Reihe beim Konzert auf die Bühne finden, soviel ist klar. Im Verlauf des Albums füttern uns Akne Kid Joe textlich mit Zuckerwatte, man ertappt sich desöfteren dabei, dass einem das Lachen im Hals stecken bleibt. Hach, und diese geilen Samples! Natürlich bekommen Punk-Feindbilder wie die AFD, die Polente, Spießer, der Lehrer Dr. Specht, Faschos und Bonzen ordentlich auf den Sack. Musikalisch ist das Ganze in simplen aber eingängigen Punk-Melodien verpackt, neben den typischen 3-Akkorde-Gitarren kommt auch teilweise Elektronik zum Einsatz. Ein Highlight des Albums kommt dann fast zum Schluss: der Song Zwischen Thermomix & Webergrill überrascht mit Techno und ist extrem tanzbar. Bitte in Zukunft mehr davon! Ach ja, und einen Hiddentrack gibt’s auch noch.


The Amity Affliction – „Everyone Loves You…Once You Leave Them“ (Pure Noise Records) [Stream]
Mit The Amity Affliction habe ich mich ehrlich gesagt noch nie so richtig beschäftigt. Ich weiß lediglich, dass die Band aus Australien (Brisbane) kommt und seit einigen Jahren ziemlich erfolgreich unterwegs ist. Da die CD dank Uncle M den Weg in meinen Briefkasten gefunden hat, wird es also mal Zeit, sich näher mit den Jungs auseinanderzusetzen. Dass die Gesamtstreams des Quartetts weit über der 200-Millionen-Marke liegen, ist eigentlich kaum verwunderlich. Denn Amity Affliction machen auf ihrem mittlerweile siebten Album eine ziemlich gefällige Mischung aus Post-Hardcore, Metal, Rock und Pop. Auch wenn massig groovige und messerscharfe Gitarren, wummernde Drums und fette Breakdowns aus den Lautsprechern dröhnen, findet die Band immer wieder wahnsinnig eingängige und melodische Hooklines, die sofort im Ohr kleben bleiben. Die Songarrangements sind bis zur Perfektion aufeinander abgestimmt, neben Gitarre, Schlagzeug und Bass kommen auch immer wieder Synthies zum Einsatz, zudem pendelt der Sänger zwischen Screams und Cleangesang. Erinnert ein bisschen an Zeugs wie Underoath, Blessthefall, Bring Me The Horizon oder Beartooth. Textlich setzt sich die Band mit dem Thema Depression und psychische Erkrankung auseinander, was in der Gesellschaft ja gerne ignoriert bzw. tabuisiert wird. Besonders im künstlerischen Bereich wird das Thema mentale Gesundheit oft vernachlässigt und herabgespielt, Sänger Joel Birch leidet selbst unter einer bipolaren Störung und weiß deshalb, wovon er spricht. Alles in allem gefällt mir das Album eigentlich ziemlich gut, so dass ich jetzt natürlich in Versuchung gekommen bin, auch mal den Backkatalog der Jungs zu checken.


Antilope – „Woanders ist es immer besser“ (DIY) [Stream]
Ups, Review fast verballert, Anfrage irgendwie im falschen Ordner abgelegt. Aber gerade dank umfangreicher Festplattenaufräumarbeiten nochmals gutgegangen! Denn Antilope machen auf ihrer selbstreleasten EP hervorragende Musik, die ein bisschen in die Zeit vor der Jahrhundertwende schielt und die man absolut empfehlen kann. Da gab es doch irgendwann mal vorwiegend auf den Labels Defiance Records und Swing Deluxe etliche Bands, die in eine ähnliche Richtung gingen. Ich fühle mich jedenfalls stark an Zeugs wie Ambrose, Lockjaw, The Cherryville oder Three Penny Opera erinnert. So machen Antilope grob gesagt also Post-Hardcore, der gern in Richtung Emo bzw. Midwest-Emo ausschweift. Die Gitarren kommen verträumt, melodisch und melancholisch um die Ecke, dazu ein dezent gegenspielender Bass und emotionaler Gesang. Passend zur Musik gibt es deutsche Texte, die nachdenklich wirken und eher aus dem persönlichen Bereich stammen. Den stimmigen Songarrangements und dem Spiel zwischen laid back Emo und vorantreibenden Post-Hardcore-Passagen merkt man jedenfalls an, dass hier keine Neulinge am Werk sind. Bei der Band aus München wirken Leute mit, die man von Bands wie NME.MINE, Mitote, Facing the Swarm Thought, Them Bones oder Aerosole Companion her kennt. Die vier Songs sind übrigens als selbstreleaste 12inch erschienen.


Bad Assumption – „Angst“ (DIY/Dedication Records) [Video]
Irgendwo zwischen Post-Hardcore und Melodic Hardcore würde ich die Münsteraner Band Bad Assumption einordnen, ein bisschen Screamo und Emo ist auch noch mit an Bord. Bisher ist eine EP in Eigenregie erschienen, nun hat das Trio sein Debutalbum am Start. Elf Songs mit 35 Minuten Spielzeit sind es geworden. Und bereits beim ersten Hördurchlauf kann ich mich mit dem Sound der Jungs anfreunden. Zwischen brachialen Soundausbrüchen verzücken auch immer wieder melodische Gitarrenparts und machen das Ganze zu einer kurzweiligen Angelegenheit. Mit Far From Home gibt es dann auch noch eine schöne Emoballade auf die Ohren, auch die moshigen Parts werden nicht vernachlässigt, siehe z.B. Masquerade oder Resurrect, selbst hymnischer Hardcore-Punk wird geboten (The Hardest Part). Schade finde ich, dass das Album nicht auf Bandcamp zu finden ist. Wer mal reinhören will, muss halt wohl oder übel zu Spotify rüber. Also, gebt euch einen Ruck und beißt in den sauren Apfel, das Album macht wirklich Spaß!


Kramsky – „Metaego“ (Barhill Records) [Video]
Beim Anblick des CD-Covers dachte ich zuerst, dass Kramsky sicher so Zuckerwatten-Pop-Punk mit deutschen Texten machen würden. Deshalb war ich ziemlich überrascht, dass eher das Gegenteil der Fall ist, außer das mit den deutschen Texten. Kramsky machen hibbeligen und noisigen Post-Punk mit einer dissonanten Unternote, zudem sind Einflüsse aus Indierock und Post-Rock erkennbar. Fuzzy Basslines treffen auf groovige Gitarrenriffs, Rückkopplungen und noisige Gitarren verbinden sich mit einer mächtig treibenden Rhythmusmaschine aus Drums und Bass. Zusammen mit den das eigene Ich hinterfragenden Texten entwickelt sich eine magische Stimmung, Kramsky ist mit Metaego wirklich ein sehr vielseitiges Album gelungen, das darüber hinaus auch noch schön rau und erstaunlich amerikanisch klingt und an diverse AmRep, Dischord oder Touch And Go-Bands erinnert. Im Verlauf der zehn Songs gibt es trotz der vorherrschenden Dissonanz hin und wieder auch mal Melodie zu entdecken, gerade Unter Brücken ist so ein Kandidat. Kramsky kommen übrigens aus Trier und sind seit 2013 unterwegs, zuerst unter dem Namen Herr Berlin und seit 2016 als Kramsky. Den Fotos auf der Internetseite nach sind die vier Herren schon etwas ältere Semester, hier hört man die Punk-Sozialisation rund um das Ex-Haus deutlich heraus! Hört da unbedingt mal rein!


Llacuna – „Incendis“ (Bcore Disc) [Name Your Price Download]
Irgendwie hatte ich die katalanische Band Llacuna bisher gar nicht auf dem Schirm, obwohl da einige Leute von mir geschätzten Bands wie z.B. Hurricäde, Föbia, Turnstile (Spanien) und I’m mitwirken. Mit Incendis erscheint nun nach einer im Jahr 2017 releasten EP das erste Album des Quintetts. Die Band macht herrlich altmodischen Emocore, der irgendwo vor der Jahrtausendwende hängen geblieben ist. Rauer Gesang in katalanischer Sprache trifft auf melancholische Gitarrenmelodien, verknotete Basslines und locker aus dem Ärmel gespielte Drums werden mit mehrstimmigen Chören angereichert, oftmals kommt auch eine Trompete zum Einsatz. Es lassen sich im Sound der Spanier auch Parallelen zu Bands wie Algernon Cadwallader, Sport oder I Love Your Lifestyle erkennen, gerade die verspielten Twinkle-Gitarren erinnern oftmals an diese Bands. Die LP ist übrigens als Co-Release der Labels BCore Disc, La Agonía de Vivir, Pundonor Records, CGTH Records und Saltamarges erschienen.


Rotting Out – „Ronin“ (Pure Noise Records) [Stream]
Wer hätte gedacht, dass es Rotting Out nach längerer Pause nochmal wissen wollen? Ich war jedenfalls ziemlich überrascht, als ein neues Album der Band aus Los Angeles bei mir im Briefkasten lag. Nachdem sich die Band 2015 auflöste und kurz danach Sänger Walter Delgado in die Schlagzeilen geriet, weil er mit über 30 kg Marihuana und etlichen Behältern mit Hasch-Öl erwischt wurde, wanderte er erstmal für längere Zeit in den Bau. Und dort scheint er seine Vergangenheit und vor allem seine schlimmen Erfahrungen aus seiner Kindheit aufgearbeitet zu haben. Dies spiegelt sich auch in den Texten der zehn Songs auf Ronin wider. Die inneren sowie die äußerlich sichtbaren Narben werden schonungslos freigelegt. Delgado schreit sich quasi den Schmerz von der Seele, so handeln die Lyrics beispielsweise vom mentalen und körperlichen Mißbrauch als Kind und dem harten Überlebenskampf in den Armenvierteln von Los Angeles. Neben den Texten sind im Booklet passend dazu ein paar Bilder aus der Kindheit der Musiker abgedruckt. Musikalisch ist alles in ziemlich angepissten Hardcore-Punk verpackt, der in 25 Minuten ganz schön wild und hyperaktiv auf der Brust rumtrommelt. Immer schön nach vorne treibend, mit keifenden Vocals und prägnanten Basslines klingt das Ganze schön rotzig und roh. Erinnert mich irgendwie ein bisschen an die Cro-Mags. Jedenfalls taugt das Album gewaltig, gerade auch weil es so kraftvoll und ehrlich klingt und voller Energie steckt. Wer auf oldschooligen Hardcore-Punk steht, wird Ronin lieben!


Shirley Holmes – „Die Krone der Erschöpfung“ (Rookie Records) [Stream]
Gab es nicht mal eine Kinderserie, die Shirley Holmes hieß? Kurze Internetrecherche und siehe da: Ha, Volltreffer! Die Band Shirley Holmes hat sich nach der zwölfjährigen Urgroßnichte des Meisterdetektivs Sherlock Holmes benannt. Und wie die Spürnase aus der TV-Serie zerpflückt und analysiert das Trio in seinen pfiffigen Texten große und kleine Alltagsthemen. Und zu meiner Überraschung haut mich die dazugehörige Musik völlig vom Hocker. Ich kannte die Band bisher nicht, Die Krone der Eschöpfung ist bereits das dritte Album der Berliner*innen und wenn nicht neulich diese CD im Briefkasten gelandet wäre, wäre dies vermutlich auch so geblieben. Bereits beim ersten Song Binichbinich werde ich hellhörig. Knackige Drums, fuzzy Basstunes, gesprochene Worte, bunte Synthies und verzerrte Gitarren: da kann man so viel raushören, man hat irgendwelche Dischord-Bands vor Augen, dann kommt so Electro-Punk-Sound á la Le Tigre in den Sinn, Sonic Youth, Offspring und Grungegitarren im Nirvanastil sind auch nicht weit. Im Verlauf des Albums wird dann klar, dass Shirley Holmes keine Probleme damit haben, verschiedene Experimente in ihren Sound einzubauen. Bei in nervigem Kindergesang vorgetragenen Kinderreimen, NDW-Synthies und Blockflöten rollen sich bei mir normalerweise die Zehnägel auf, aber hier wurde alles stimmig zusammengepuzzelt. Shirley Holmes lassen sich nicht in Schubladen stecken und wenn man die zehn Songs so hört, dann wird auch klar, dass hier ganz viel Spielfreude und Herz drin steckt. Neben den bereits erwähnten Referenz-Bands kommen auch immer wieder Sachen wie frühe Wir sind Helden oder 100 Blumen in den Sinn. Dazu gehen die Songs direkt ins Ohr und sind extrem tanzbar, hört doch nur mal Das Licht oder Wieder sehen an! Aber hört einfach selbst mal rein und lasst euch überraschen!


 

Caspian – „On Circles“ (Triple Crown Records)

Für Vinylliebhaber dürfte das neue Album von Caspian der absolute Oberhammer sein. Ich habe mich in das Ding auf Anhieb verliebt. Die Doppel-12inch liegt zentnerschwer in der Hand und das Gatefold-Cover ist aus dickem Plattenkarton gefertigt, ins Frontcoverartwork sind die Songtitel kreisförmig eingestanzt. Auch auf dem Backcover wurde diese Technik angewandt, hier kann man Kreise und Quadrate erfühlen. Und im kontrastreichen Gegensatz zum warmfarbigen Frontcover sieht auch das Backcover im schwarz-weiß-Druck fantastisch aus. Klappt man das Gatefold-Cover auf, so findet man im Inneren die Treppe, die auch schon auf dem Frontcover angedeutet ist. Mir kommt das Artwork so vor, als ob die Band dazu auffordern würde, endlich einzutreten, die Treppe runterzugehen und dabei festzustellen, dass es weder einen Anfang noch ein Ende geben wird (No Beginning And No End ist groß auf dem Backcover zu lesen). Um das Artwork außen noch vollständig zu beschreiben: es gibt noch einen Obi-Strip, auf welchem Bandname, Albumtitel und Songtitel zu lesen sind. Na gut, dann komme ich mal der Aufforderung der Band nach und schaue ins Innere: da warten bereits zwei transparente Vinylscheiben mit grünen Sprenkeln darauf, endlich auf den Plattenteller zu dürfen. Zwei mit verschiedenen schwarz-weiß-Fotografien bedruckte Plattenhüllen purzeln auch noch aus dem Inneren, dazu gibt es zwei zusätzliche „Textblätter“ auf Fotopapier, hier sind verschiedene Formen und Muster abgedruckt, ein Unendlichkeitssymbol ist auch noch irgendwo zu sehen. Die Muster erinnern mich irgendwie an die verschwurbelten Tanzmuster aus dem mystischen Film Suspiria.

Nach so viel Optik wird es jetzt aber endlich mal Zeit für die Musik, zu der man immer wieder dazu verleitet wird, den Plattenkarton zu streicheln, am Fotopapier zu schnuppern und das Ding hin und herzuwenden. Sobald das cineastisch anmutende Intro zum Song Wildblood ertönt, spitzt man sofort verzückt die Ohren. Ich empfehle es, dieses Album über Kopfhörer zu genießen, denn erst da kann man mit Haut und Haaren die Musik von Caspian erfahren und begreifen. Bereits dieses Intro schafft es ohne Probleme, die Neugier zu wecken und den Treppenstufen zu folgen, um in die schillernde Welt Caspians einzutauchen. Der Song beginnt mit leichten Pianoklängen und pulsierendem Bass, nach und nach kommen weitere Instrumente wie ein Flügelhorn und ein Saxophon dazu, bis man von ersten Drum-Donnerschlägen und verzerrten Distortion-Gitarren überrascht wird. Ausgedehnte Gitarrenspuren verdichten sich hypnotisch, alles wächst zu einem dichten Klangteppich heran. Es ist wie bei einer Welle, die sich langsam aufbaut, immer größer wird und dann tosend zusammenbricht, bevor nochmals einer kleinere, auslaufende Welle hinterherkommt. Auch das nachfolgende Flowers Of Delight verzaubert auf ähnliche Weise, hier schwingt ein fast schon enthusiastischer Unterton mit. Verglichen mit den Aufnahmen zum letzten Album Dust And Disquiet, das ja mit reichlich schmerzvollen und traurigen Kompositionen und Untertönen ausgestattet war, klingt On Circles insgesamt viel freundlicher und leichtfüßiger. Dass Caspian Meister im vertonen von Gefühlen sind, hört man jedenfalls auf all ihren bisherigen Releases, so ist auch On Circles wieder ein Album, das direkt aus dem Herzen zu kommen scheint. Spätestens beim Song Nostalgist merke ich persönlich, dass der Zugang zum Song noch besser funktioniert, wenn Gesang mit an Bord ist. Hier ist zudem auch noch ein Sänger zu hören, dessen Stimme ich sehr gerne höre. Caspian haben sich hierfür Kyle Durfey, den Sänger von Pianos Become The Teeth ausgeliehen, so dass zur emotionalen Instrumentierung auch noch eine reichliche Portion Melancholie beim Gesang dazu kommt. Ja, das hier sollten die Jungs ruhig häufiger machen!

Caspian waren auch auf On Circles wieder sehr experimentierfreudig, so kommen immer wieder Instrumente wie z.B. ein Cello, eine Violine und zahlreiche andere Percussions zum Einsatz. Natürlich muss hier auch die hervorragende Produktion erwähnt werden. Hört euch doch nur mal den Song Division Blues an, auch der Hall und die leiernden Töne bei Onsra faszinieren ungemein. An den leisen Stellen hört man hier jede Stecknadel fallen, auch bei den lauteren, auftürmenden und atmosphärischen Passagen kann man noch alle Instrumente vernehmen. Und wenn es knallen soll, dann aber gewaltig! Bei fast allen Songs fällt auf, dass sich die Band viel Zeit lässt, den Song aufzubauen und wieder in sich einfallen zu lassen, so dass eine Art unendliche Soundschleife entsteht, wenn man jeden Song für sich in Dauerschleife packen würde. Einzig beim Song Collapser fällt man gleich die Kellertreppe runter und wird von tosenden Gitarrenwänden und hämmernden Drums an die Wand gedrückt. Ach ja, und zum Abschluss der bezaubernden Klangreise kommt bei Circles on Circles nochmals Gesang zum Einsatz, hier erinnert mich die Stimme ein wenig an diesen Typen von Alice in Chains. Wer auf ausgefeilten Post-Rock steht, dürfte an diesem Album kaum vorbeikommen. Abschließend würde ich mir für weitere Releases wünschen, dass das Thema Gesang in Zukunft noch eine größere Rolle spielen würde.

8/10

Facebook / Bandcamp / Triple Crown Records


 

Bandsalat: Audio Karate, Constante, Counsels, Decacy, Knope, Nathan Aeli, Orchards, Radio Havanna

Audio Karate – „Malo“ (SBÄM Records) [Stream]
Was hab ich doch die Space Camp und v.a. die Lady Melody rauf und runter gehört, von Zeit zu Zeit rauschen die Songs beider Alben bis heute immer wieder mal durch die Anlage. Jetzt ist also mit Malo fünfzehn Jahre später und nach der 2018er-Reunion Album Nummer drei der Band aus Los Angeles erschienen. Klar, zwischendurch gab es ja immer mal wieder Lebenszeichen, Teile der Band haben z.B. unter dem Namen Indian School ein Album veröffentlicht, ganz von der Bildfläche waren die Jungs eigentlich nicht. So finden sich auf dem Album die zwei Songs der 2018-er-EP, zwei weitere kennt man als Fan der Band möglicherweise ebenfalls und der Rest ist irgendwie aus alten Demos mit ungenutzten Songs entstanden. So erhält man zwar ein paar neue Songs, aber wie zu erwarten war, ist hier auch etwas Bodensatz dabei, das Album heißt nicht umsonst Malo, was ja im Spanischen soviel wie „schlecht“ bedeutet. Dies wird von der Band ja auch so kommuniziert. Jedenfalls dürften Fans der Band trotzdem ganz gebannt dieser einzigartigen Stimme lauschen, gerade Songs wie Bounce, Sin Cuchillo, Get…Mendoza…,Saturday Night oder das poppige Good Loving Man gehen eigentlich doch ganz klar. Naja, über den Rest reden wir lieber mal nicht und warten gespannt, ob die Band weitermacht und es bald ein richtiges Album zu hören gibt.


Constante – „Selftitled“ (Saka Čost) [Name Your Price Records)
Aus Rennes, Frankreich kommt diese ziemlich neue Screamo-Band namens Constante. Auf ihrer selbstbetitelten Debut-EP gibt es zwar nur zwei Songs zu hören, die haben es aber gewaltig drauf und bringen es auf eine Spielzeit von knapp unter 20 Minuten. Der Song À marée basse, les angoisses legt schonmal düster und fuzzy dissonant los, in elf Minuten baut das Trio vielschichtige Soundpassagen mit fast schon ritueller Wirkung auf und schafft dadurch eine ganz eigenwillige Atmosphäre. Manchmal werden die Gitarren ein bisschen ruhiger und melancholischer, so dass der polternde Bass noch besser zur Geltung kommt. Der Sänger leidet in französischer Sprache, die Texte verarbeiten Ängste, es geht um Selbstfindung, bis man resigniert und erkennt, dass man in einer Sackgasse gelandet ist, der man schwer entkommen kann. Das zweite Stück Du plomb dans l’aile wird soundtechnisch ein bisschen freundlicher, hier kommen teils ein paar unterschwellige Melodien zum Vorschein. Bis man hier alles erfasst hat, braucht es zwar ein bisschen Zeit, aber dranbleiben wird belohnt. Wenn ihr Bands wie Birds in Row, Daïtro oder Aussitôt Mort mögt, dann solltet ihr das hier mal antesten!


Counsels – „Selftitled“ (DIY) [Stream]
Bei Counsels handelt es sich um eine ganz junge Band aus Leipzig. Seit Mai 2019 spielt das Quartett zusammen, so dass jetzt wenige Zeit später eine ganz ordentlich aufgenommene EP mit fünf Songs erschienen ist, natürlich komplett in Eigenregie. Die Musik der Jungs geht grob in Richtung Midwest-Emo, ein paar Indie-Einflüsse können auch vernommen werden. Wenn man die melancholisch flirrenden Gitarren, den sehnsüchtigen Gesang und die laid back gespielten Drums so hört, dann flackern einige musikalischen Vorbilder vor dem inneren Auge auf. Die Band selbst gibt Bands wie die Mom Jeans, American Football oder Tiny Moving Parts als große Einflüsse an, irgendwie höre ich auch noch ein bisschen Pale oder Jank raus. In Anlehnung an den Bandnamen gebe ich an dieser Stelle den Ratschlag, einfach mal ein bisschen reinzuhören.


Decacy – „Non Cambierà“ (DIY) [Name Your Price Download]
Die Band Decacy hat sich im Jahr 2019 in Vicenza/Italien gegründet. Mit Non Cambierà hat das Trio jetzt ein erstes Lebenszeichen in Form einer selbstreleasten EP gegeben. Und die darauf enthaltenen sechs Songs können sich absolut hören lassen. Die Jungs machen eine intensive Melange aus Emo, Punk, Screamo, Post-Hardcore, Math und etwas Emoviolence. Dabei geht es treibend und dissonant zu, dennoch schleichen immer wieder tolle Melodien an die Oberfläche, so dass sich tieftraurige Melancholie breit macht. Dazu kommt noch ’ne satte Portion Stop And Go und etwas laut/leise, so dass es schön abwechslungsreich und spannend bleibt und man nach einer 18-minütigen Spielzeit gern noch mal ’ne Runde dranhängt! Geiles Debut, die Band sollte man genau im Auge behalten!


Knope – „Picture Perfect“ (DIY) [Stream]
Die Band Knope kommt aus Fairfax, Virginia und Picture Perfect ist die mittlerweile zweite EP der vier Jungs. Knope machen ziemlich geilen Twinkle-Emo und erinnern daher natürlich sofort an Bands wie z.B. Algernon Cadwallader oder I Love Your Lifestyle. Der erste Song dient als eine Art Intro und es bleibt vorerst rein instrumental. Danach folgen sechs Songs mit Gesang. Die gefühlvoll gespielten Gitarren kommen immer wieder mit tollen Melodien um die Ecke, dazu wird der melancholische Midwest-Emo mit diesem typischen nöligem Gesang/Geschrei dargeboten. Die Melodien gehen gut ins Ohr, so dass nur empfohlen werden kann, sich die Band mal vorzuknüpfen. Als Anspieltipp eignet sich z.B. That’s Not Dinner Talk.


Nathan Aeli – „Katja“ (Middle Man Records) [Stream]
Bei Nathan Aeli handelt es sich um das Solo-Projekt des Gitarristen der schwedischen Screamo-Band Young Mountain. Solo-Projekt heißt, dass er hier fast alles selbst gebastelt und eingespielt hat, zumindest was Gitarre, Gesang, Synthies und sonstigen Krach betrifft. Ganz ohne Unterstützung hat er es aber dann doch nicht hinbekommen, so hilft an den Drums John Andersson von Grace Will Fall, den Bass hat Felix Byström eingespielt. Musikalisch gefällt mir ganz gut, was Nathan Aeli da geschaffen hat. Grob kann man die sieben Songs unter Emo mit leichter Post-Hardcore-Tendenz einordnen. Teilweise wird geschichtet, was das Zeug hält, so dass ein flächiger, mit Watte ausgestopfter Soundbrei entsteht, der eine ganz wirksame Atmosphäre schafft. Das klingt dann im Endergebnis irgendwie verträumt und spacy. Der Gesang ist sehr kopfstimmenlastig, manchmal gar glockenhell, was im Kontrast zum melodischen Soundteppich eigentlich ganz gut passt. Als Anspieltipps empfehle ich jetzt einfach mal Left Behind Along Persiusstr. oder Low, Low, Low. Das hier könnte Menschen zusagen, die auch auf Bands wie Last Days Of April, Jimmy Eat World, Minus The Bear oder Coheed And Cambria stehen.


Orchards – „Lovecore“ (Big Scary Monsters) [Stream]
Wenn ihr auf der Suche nach eingängigem und charmant klingendem Pop mit weirden Math-Rock-Verweisen seid, dann dürfte die Band Orchards mit ihrem Debutalbum namens Lovecore ein gefundenes Fressen für euch sein. Das Album klingt so frisch und spritzig, da bekommt man gerade Lust, an einem sonnigen Tag mit offenem Verdeck durch frühlingserwachende Landschaften zu brausen und dabei die Songs laut aufgedreht auf sich wirken zu lassen. Schon nach ein paar Durchläufen bleiben die elf Songs im Ohr kleben! Hymnen wie z.B. Burn Alive, Luv You 2 oder History (hier klingt das geloopte Sample irgendwie nach ’nem Sound von irgend ’nem neueren Bring Me The Horizons-Album) wickeln Dich ruckzuck um den Finger! Die angeschrägten Math-Gitarren zünden im Verlauf des Albums eine Hookline nach der anderen, manchmal kommt man aus dem Staunen gar nicht mehr raus! Die Band kommt übrigens aus Brighton/UK und irgendwie fehlen mir gerade die Vergleiche, denn das hier klingt ziemlich einzigartig. Am ehesten fallen mir noch Bands wie beispielsweise The Cardigans oder No Doubt gepaart mit neueren Q And Not U oder Minus The Bear ein, aber das auch nur, weil die Stimme von Sängerin Lucy Evers in ähnlichen Tonlagen unterwegs ist. Auch geil: die bisherigen Videos der Band, allen voran die Pop-Hymne Honey (ist schon länger mal erschienen). Müsst ihr unbedingt anchecken!


Radio Havanna – „Veto & Gossenhauer“ (Dynamit Records) [Video]
Auch mal wieder so eine Band, mit der ich mich noch nie so richtig beschäftigt habe. Ob sich das mit dem vorliegenden Digipack ändern wird? Mal sehen…Bevor ich das Ding in den Player bugsiert hab, rutschte das rote Booklet mit dem schwarzen Kreis (mit Strich durch) in meine Pfoten. Boah, ich dachte schon, da kommt die Neon Golden von Notwist zum Vorschein! Und dann purzelt zu alldem auch noch ’ne Bonus-CD mit dem Titel Gossenhauer raus. Aber hier ist nix mit nerdigem Indierock á la Notwist, Radio Havanna sind eher im melodischen und poppigen Deutschpunk zu Hause. Veto hat 13 Songs am Start, positiv auffallend sind die aussagekräftigen Texte, die eine klare Position gegen ungesunde politische Entwicklungen der Gesellschaft beziehen (z.B. Antifaschisten). Gerade Kids, die gerne angepunkten Deutschrock hören, sollten sich Radio Havanna in die Dauerschleife packen. Die Songs haben neben ihrer positiven Message allesamt ordentlich Ohrwurmcharakter. Eigentlich clever gemacht, denn wer gern Coversongs hört, dürfte mit der Bonus-CD absolut glücklich werden. Da werden nämlich einige olle Kamellen im Punkrock-Mantel verwurstet. Mich packt das alles jetzt zugegeben echt mal eher weniger. Wenn ich aber zurückblicke auf meine musikalische UND politische Sozialisation, dann haben mir in den Achtzigern Radio Havannah-ähnliche Bands wie Die Ärzte und die Toten Hosen die Augen und den Weg in eine Subkultur geöffnet, der ich bis heute mit Haut und Haaren verfallen bin! Wenn ihr Zeugs wie Turbobier, Alex Mofa Gang, Dritte Wahl oder Montreal mögt…dann bitte hier entlang!


 

Midsummer Records-Special: December Youth, Noir Reva, Rivers & Tides, Tides!

December Youth – „How Are You“ (Midsummer Records)
Alles neu bei December Youth: Zwei der ursprünglichen Mitglieder wurden ausgetauscht (Sänger und Schlagzeuger), dazu erfolgte ein Umzug von Düsseldorf nach Essen. Dass gerade ein Sängerwechsel auch mit musikalischen Veränderungen verbunden ist, das lässt sich eigentlich mehr als erahnen. Nicht, dass December Youth auf ihrem zweiten Album komplett anders klingen würden, wie noch auf dem 2016er Debutalbum, aber die Veränderung lässt sich trotzdem irgendwie spüren. Der Sound des Quintetts klingt weit ausgereifter als noch auf dem Debut, was v.a. daran liegt, dass December Youth den dargebotenen Post-Hardcore-Sound geschickt mit Elementen aus Grunge, Emorock, Post-Rock und poppigen Gitarrenmelodien angereichert haben. Und auch beim Gesang wurde mehr auf Abwechslung gesetzt: auf der einen Seite wird leidend gescreamt, zudem kommen auch immer wieder melodisch und clean gesungene Vocals zum Einsatz. In beiden Varianten schwingt sehr viel Melancholie mit, was durch die gefühlvoll gezockten Gitarren und den gegenspielenden Bass noch unterstrichen wird. Und auch in den sehr persönlichen Texten finden sich nachdenklich machende Inhalte. Dass hinter dem Albumtitel kein Fragezeichen steht, hat wohl tiefere Gründe, wie man im beiliegenden Textblatt nachlesen kann. So wird die eigentliche Frage nach dem Wohlbefinden selten aus wahrem Interesse heraus gestellt sondern eher als Floskel benutzt und dementsprechend ungenau fällt auch die Antwort der befragten Person aus. Passend zum Thema wurde wahrscheinlich auch das Coverartwork entworfen. Es zeigt einen bedrohlichen Felsbrocken, der symbolisch wie die seelische Last über einer aufs Meer blickenden Person schwebt. Durchaus ein ernstes Thema, gerade auch in Bezug auf mentale Gesundheit. Jedenfalls schaffen es December Youth in vierzig Minuten Spielzeit und insgesamt zehn Songs, mich total in den Bann zu ziehen. Songs wie das sagenhaft verträumte Pixie Dust, das eindringliche Rain, das mantraartige Sway oder das flirrende Vergissmeinnicht muss man einfach ins Herz schließen! Teilweise erinnert der Sound an Bands wie Thursday oder Touché Amore, dann kommen aber auch Sachen wie Citizen, Basement oder Balance And Composure in den Sinn. Das Album dreht jedenfalls schon einige Zeit seine Runden auf dem Teller und es werden in Zukunft noch etliche folgen, zudem schimmert das Vinyl in silber/grau so schön, wenn das Licht drauf fällt, vermutlich ist das bei der purple marbled-Version ebenso. Jedenfalls ein tolles Album!

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Noir Reva – „Continuance“ (Midsummer Records)
Schon das 2016er-Debut der Band Noir Reva aus Koblenz stieß bei mir seinerzeit auf helle Ohren, obwohl instrumentaler Post-Rock normalerweise nicht so zu meinen musikalischen Vorlieben zählt. Und auch der Nachfolger Continuance führt das konsequent und konstant fort, was mir schon auf dem Debut so gut gefiel. In einer Spielzeit von vierzig Minuten umwickelt das Quartett die Hörer*innen mit einem Konstrukt aus mächtigen Songstrukturen und atmosphärischen Klangfeldern. Das sichtbeschränkte Motiv auf dem Cover der 12inch will zum vielschichtigen Kosmos des Sounds eher nicht so recht passen, denn taucht man in die Musik der Koblenzer ein, dann eröffnet sich ein weitsichtiger Rundumblick in eine geheimnisvolle Sagenwelt. Sobald die Nadel in das in meinem Fall blau schimmernde und mit ein paar Rauchschwaden durchzogene Vinyl eintaucht, empfiehlt es sich, sich voll und ganz auf die Musik einzulassen. Bei mir gelingt das tatsächlich am Besten mit Kopfhörern. Dadurch saugt man jeden noch so winzigen Ton ein, den man womöglich sonst gar nie wahrgenommen hätte, in sich auf. Und von diesen unscheinbaren winzigen Tönen entdeckt man bei jedem weiteren Durchlauf noch weitere. Von ihnen geht eine unglaubliche Intimität und Wärme aus, dazu sorgt die glasklare Produktion für manches Staunen. Flirrende Tremolo-Gitarren schwirren wie Schmetterlinge durch die Lüfte, die Töne umkreisen Dich von allen Seiten, so dass man sich in manchen Momenten wie jemand fühlt, der drei Ohren hat. Im Vergleich zum Debut meine ich, dass Noir Reva ihrem Sound noch einiges an Elektronik-Spielereien hinzugefügt haben. Wieviel Zeit und Arbeit wohl in dem Ding steckt? Sicher ist, dass die Musik mit viel Herzblut, Leidenschaft und Spielfreude ausgestattet ist. Ein ausgeklügeltes Soundspektrum zwischen laut und leise baut sich schichtweise auf, die Instrumente scheinen sich ineinander zu verweben, gerade die beiden Gitarren lassen immer neue Gitarrenmelodien entstehen. Schlagzeug und Bass gehen dynamisch zur Sache, begleiten die Schmetterlingsgitarren wie kleine Marienkäfer im Windschatten und sorgen an den lauten Stellen für reichlich Druck. Dass es dabei auch mal etwas galoppierender zugehen kann, zeigen Songs wie z.B. Skyward oder Goraiko, bei denen auch schonmal eine Double-Bass zum Einsatz kommt. Die atmosphärische Dichte wird an vielen Stellen durch die Verwendung von Synthesizern verstärkt, hört mal diesen wimmernden Geigenton im Song Come Back Apollo! Überhaupt klingen manche der gefühlvoll gespielten Töne nach purer Melancholie. Selbst, wenn nur Piano und Synths wie z.B. beim Beginn von They Do Exist erklingen, strotzt die Musik nur so vor Atmosphäre. Und wenn dann mit Phobia das Grand Finale über die Bühne gegangen ist, dann reibt man sich die Augen, wie wenn man gerade aus einem schönen Traum erwacht ist und man sich umdreht und gleich versucht, nochmals einzuschlafen, um die Traumsequenz zu wiederholen. Meistens gelingt das ja nicht, bei Continuance aber hat man die Möglichkeit, die Platte nochmal umzudrehen und die Reise von vorn zu beginnen! Sehr geile Post-Rock-Platte, kann nur wärmstens empfohlen werden!

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Rivers & Tides – „Sincere Uncertainty“ (Midsummer Records)
Nach zahlreichen EP’s (wenn ich richtig gezählt hab, dann sind es insgesamt vier Stück) und einer knapp achtjährigen Bandlebenszeit wird es endlich mal Zeit für das erste Album. Und das hauen die Regensburger auf leckerem 12inch-Vinyl über Midsummer Records raus. Ob der Albumtitel wohl auch im Zusammenhang mit der langen Wartephase auf das Debutalbum so gewählt wurde? Möglich wäre es. Das Cover zeigt einen Blick mit verschwommener Optik in ein fremdes Wohnzimmer, zusammen mit der Erklärung der Band auf der Rückseite des Textblatts und den Texten kommt langsam Licht in die Sache. Die Band geht auf die lange und beschwerliche Suche nach dem eigenen Ich. Der Selbstfindungstrip wird durch allerlei positive und negative Einflüsse bestimmt, man hat Verantwortung zu übernehmen, Anforderungen und Erwartungen zu erfüllen. Es herrscht Ratlosigkeit, Verlustängste bedrohen das Gemüt genauso wie die Angst vor dem eigenen Versagen. Ein ständiger Balanceakt inklusive Gefühlschaos ist die Folge! Und davon erzählen die 12 Songs. Wie ihr euch vorstellen könnt, wird es im Verlauf des Albums sehr emotional, was sich natürlich auch auf die Musik des Quintetts niederschlägt. Die Regensburger bewegten sich mit den letzten EP’s immer mehr weg vom emotionalen Punk ihrer Anfangsjahre und drifteten immer weiter in Richtung Grunge und Shoegaze ab. Und diese Marschrichtung wurde bei Sincere Uncertainty weiter fortgeführt. Emo und Punk trifft auf Grunge, Post-Hardcore, Indie und Shoegaze, dabei schleichen sich bei jeder Gelegenheit melancholische Momente ein. Natürlich wird man beim Hören an Bands wie Basement, Balance And Composure, Citizen, New Native und Turnover erinnert, dennoch wäre es unfair zu behaupten, dass hier einfach nur die musikalischen Vorbilder kopiert wurden. Denn die Songs haben großes Potential, die Songstrukturen sind spannend aufgebaut, nebenbei besitzen sie allesamt einen schön groovigen Drive und strotzen vor Spielfreude. Die Stärke liegt hier ganz klar bei den catchy Refrains und den gefühlvoll wabernden Gitarren, die eine Hookline nach der anderen raushauen. Songs wie z.B. Forever, das sagenhaft verträumte Progress, das etwas flottere Crush oder das kraftvoll gesungene Getting Better Takes Forever stechen hier besonders hervor. Insgesamt bewegt sich Sincere Uncertainty im ausgeklügelten Spiel zwischen laut und leise, gefühlvoll und wütend, verbittert und optimistisch. Und wenn das Album mit Yours To Keep tosend zum Finale kommt, weiß man, dass noch viele weitere Hörrunden folgen werden. Sehr starkes Debutalbum, auch wenn es so lange gedauert hat!

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Tides! – „I’m Not Afraid Of The Dark“ (Midsummer Records)
Drei Jahre nach ihrem Debutalbum Celebrating A Mess legt die Band Tides! aus Saarbrooklyn mit I’m Not Afraid Of The Dark ein weiteres Release mit sechs neuen Songs vor. Das Coverartwork der 12inch zeigt in Anlehnung an den EP-Titel einen ängstlich dreinblickenden Jungen, der sich mit einer Taschenlampe bewaffnet aufmacht, den dunklen Keller zu erkunden und dort die Kiste mit Papas Zeug finden wird, das von Mama aus den bewohnbaren Räumen verbannt wurde, inklusive Rockstar-Poster. Das gemalte Bild lässt jedenfalls schon mal viel Spielraum zur Interpretation zu, zusammen mit den Texten hat man während der zahlreichen Hörrunden sicher noch reichlich Gelegenheit, darüber nachzudenken. Ein Textblatt liegt bei, diesmal wurden auch brav alle Texte abgedruckt. Auf der Rückseite des Textblatts sieht man noch ein paar Wimmelbilder der Band, schade dass hier die Bilder ein wenig verpixelt/verschwommen sind. Dafür kommt man aus dem Staunen nicht mehr raus, sobald man das in meinem Fall bierfarbene Vinyl aus der Hülle fischt. Da bekommt man doch sofort Durst auf ein hopfiges Getränk! Vor allem, wenn man dazu noch den melodischen Punkrock im Gehör hat, der nach einem kurzen Spoken Word-Intro trabend aus den Lautsprechern ertönt. Irgendwie erscheint es mir bereits beim ersten Song, dass die Band ihren Sound im Vergleich zum Debut weiter verfeinert hat. Die Songstrukturen sind schön abwechslungsreich gestaltet, Gitarre und Bass scheinen gegeneinander anzutreten, während alles zusammen verdammt catchy um die Ecke kommt. Hierfür sind natürlich die ins Ohr gehende Singalongs und die stets vorhandene Melancholie in den heulenden Gitarren und im wehmütigen Gesang tragende Eckpfeiler. Wie man ja bereits auf den Bildern im Textblatt und dem Video zu 9000 Miles sehen kann, touren die Jungs für ihr Leben gern und mit Leib und Seele, was natürlich auch erklärt, warum der Sound des Quartetts so aufeinander eingespielt wirkt. Wenn ich Songs wie eben 9000 Miles oder den meiner Meinung nach alles übertreffenden Song Icarus höre, dann wünsche ich mich direkt in einen kleinen Punkrock-Moshpit, um mit einem Bier bewaffnet und erhobener Faust die Refrains mitzugröhlen. Falls ihr in den Nullern so ziemlich alles aus Gainesville abgefeiert habt und auch Bands wie Pennywise, The Wonder Years, Hell & Back oder Resolutions mögt, dann wären auch Tides! eine gute Wahl für euch!

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Regarde – „The Blue And You“ (Through Love Rec.)

Irgendwie scheint mir da in der Zwischenzeit etwas durch die Lappen gegangen zu sein, denn die Band Regarde aus Vicenza/Italien hat seit meinen Rezensionen zur Debut-EP und der 4-Way-Split auf lifeisafunnything zwei weitere Releases rausgehauen (eine EP und das Debutalbum). Bei The Blue And You handelt es sich also bereits um die zweite Full-Length. Und das hätte ich wahrscheinlich auch verpasst, wenn das Ding nicht über das sagenhafte Qualitätslabel Through Love Rec, übrigens als Co-Release mit Epidemic Records erschienen wäre. Also, nochmals Glück gehabt, zudem werden die fehlenden zwei Releases einfach im Anschluss an dieses Album nachgeholt. Das passend zum Albumtitel in Blautönen gemalte Cover ist jedenfalls schonmal ein Hingucker und natürlich dürfen die Vinylfarben dagegen nicht in einer anderen unpassenden Farbe kommen. Es gibt wohl zwei Versionen, zum einen blaues Vinyl, zum anderen weißes Vinyl mit blauen Sprenkeln.

Inhaltlich beschäftigen sich die zehn Songs mit tiefsitzenden Gefühlen und den inneren Kampf mit sich selbst, in einem Sud aus Angst, Krankheit und Sorgen zu versinken. Dementsprechend gefühlvoll geht es im Sound der Italiener zur Sache. Verglichen mit den ersten beiden Releases, die ich bereits oben erwähnte, kommen die Songs viel softer um die Ecke. Die rauen Untertöne kommen nur manchmal im kraftvollen Schlagzeugspiel zum Vorschein, auch wird auf The Blue And You eher mit einer geschmeidigen Stimme gesungen und geschmachtet. Die Gitarren wimmern schön gefühlvoll aus den Lautsprechern, dazu gesellt sich ein tieftönendes Grundgerüst aus sauber gespieltem Bass und dunkel hämmernden Drums. Der Band gelingt es sehr gut, mit diesen Stilelementen einen stimmungsgeladenen Sound zu erschaffen, der an den richtigen Stellen mit druckvollen Soundwänden aus Gitarre, Schlagzeug und Bass aufwarten kann. Dazu passt dann auch hervorragend der leicht verträumte Gesang und die zuckersüßen catchy Gitarrenmelodien, die auch mal grungig und groovig um die Ecke linsen. Am Stärksten erinnert mich diese Art Musik wirklich an die großartigen Turnover zur Peripheral Vision-Phase, es kommen aber auch noch Bands wie Juliana Theory, Jimmy Eat World oder Title Fight als unbestreitbare Einflüsse in den Sinn.

Ich muss zugeben, dass bei mir der Zugang zur Platte ein wenig dauerte. Aber ein paar Durchläufe später hat es dann irgendwann geklickt und seither wächst das Album mit jeder weiteren Hörrunde in ungeahnte Höhen, was vor allem an den ausgetüftelten Songarrangements und den vielseitigen Herangehensweisen an die Songs liegt. Denn hat man die Songs erstmal im Gehör, dann gehen sie auch schwer wieder raus! Wenn ihr also auf hymnischen und rockigen Emo steht, der mit Elementen aus Grunge, Shoegaze, Punk und Mathrock angereichert ist, dann solltet ihr diesem Album eine Chance geben. Wie bereits erwähnt, dranbleiben wird bestens belohnt! Und bitte am Stück genießen!

8.5/10

Facebook / Bandcamp / Through Love Rec.


 

Weak Ties & Noll Koll – „Split 7inch“ (Pike Records u.a.)

Das Coverbild mit dem verknoteten Typen, der mit seiner Gitarre irgendwo auf dem Boden rumflippt, offenbart eigentlich bereits, was ihr auf dieser 7inch zu erwarten habt. Zwei Bands und 9 Songs unter einer Spielzeit von nicht mal sieben Minuten bei 45rpm sprechen ebenfalls Bände. Das liebevoll aufgemachte Scheibchen ist als Co-Release der Labels Pike Records, Knochentapes und Up The Punx Records erschienen. Im aufklappbaren Cover sind praktischerweise alle Texte nachzulesen, zudem erfährt man, dass die Schnuckiputzis der Band Weak Ties und die Schnuckiputzis der Band Noll Koll wohl miteinander befreundet sind, was ja bei Split-Releases meistens der Fall ist.

Okay, mit Weak Ties aus Bielefeld dürften einige von euch sicher schon in irgendeiner Form in Berührung gekommen sein. Die drei Jungs und das Mädel am Mikrofon stehen für energiegeladenen Hochgeschwindigkeits-Hardcorepunk mit einer satten Powerviolence-Kante, das Ganze klingt schön oldschoolig und kratzbürstig. Die drei Songs verdrehen euch jedenfalls innerhalb von zweieinhalb Minuten mal kurz eure kompletten Gliedmaße. Sängerin Laura kotzt sich so richtig die Wut aus dem Leib, dazu machen die restlichen Bandmitglieder ordentlich Krach. Die Gitarre rotzt, der Bass poltert groovig und knarrend, dazu wird das Schlagzeug hemmungslos verprügelt. Die Soundkulisse ist jedenfalls ziemlich beeindruckend, so dass man erst bei mehrmaligen Durchläufen so langsam mal checkt, dass hier nicht nur planlos draufgeknüppelt wird und während dieser kurzen Spielzeit einige pfiffige Sachen passieren. Hört euch nur mal den Song Black Waves zum Ende hin an. Ach ja, falls irgendjemand Vergleiche braucht: mich erinnern Weak Ties ganz stark an die verblichenen Punch.

Noll Koll aus Göteborg, Schweden gehen dann auf der B-Seite die Sache zwar etwas langsamer an, nichtsdestotrotz gibt es auch hier energiereichen Hardcorepunk zu hören, der ganz schön Gas gibt aber viel punklastiger zuschlägt. Da das Trio ausschließlich in seiner Landessprache unterwegs ist, wäre es hier von Vorteil gewesen, nicht nur die schwedischen Texte abzudrucken, sondern auch eine englische Übersetzung anzubieten. Aber man weiß sich ja zu helfen. Dank der Lyrics auf der Bandcamp-Seite und einer halbwegs zu verstehenden Internetübersetzung weiß ich nun, dass hier im üblichen Punk-Kosmos die Gesamtscheiße bemängelt wird und gegen Kapitalismus und Ausbeutung gewettert wird. Die sechs Songs sind knackig kurz und irgendwie wird man trotzdem in jedem Song von einem abgespacten Gitarrenriff und ausgefuchsten Strukturen überrascht, hin und wieder ist gar eine Melodie zu erkennen. Und kaum ist man im Song drin, hört er auch schon wieder abrupt auf. Anfangs fand ich das ein bisschen schade, aber man kann ja die Nadel immer wieder an den Anfang setzen. Jedenfalls ist das hier eine tolle Split, die ihr euch nicht entgehen lassen solltet, wenn ihr auf oldschooligen Hardcorepunk stehen solltet.

8/10

Bandcamp / Pike Records


 

Questions – „Libertatem!“ (Underdogs Records/Toanol Records)

Dass ich mal mit einem Release der brasilianischen Hardcore-Legende Questions – die Band feiert gerade ihr zwanzigjähriges Bestehen – bemustert werden würde, wäre mir nie und nimmer im Traum eingefallen! Dank dem DIY-Label Underdogs Records hab ich zur Bemusterung auch noch fast die ganze Programmpalette bekommen, sehr geil! Zum einen ist Libertatem auf Vinyl mitsamt einer CD erhältlich. Hier gibt es zwei Versionen, die sich im Bezug auf das Cover farblich unterscheiden (pink/schwarz), von der schwarzen Version gibt es nur eine limitierte Anzahl. Zum anderen gibt es das Album als handlichen Digipack, auf der CD sind zusätzlich noch zwei weitere Songs zu finden. Hierbei handelt es sich um Demo-Versionen zu den beiden Songs Achismo und Lutar. Alle Versionen haben ein dickes Textheftchen dabei, das in der LP-Version schon fast als Fanzine durchgehen könnte. Da bekomme ich direkt leuchtende Augen! Mein Vinylbesprechungs- und Digipack-Exemplar kommt jeweils im pinken Cover und mit einem tollen, linolschnittartigen Artwork. Auf dem Backcover kommt man sich dann fast vor, als ob man selbst Teil eines wilden, brasilianischen Moshpits wäre. Das stachelt gerade jetzt, in dieser Corona-bedingten konzertarmen Zeit, meine Phantasie an! Sehr schönes Live-Bild, das den Unity-Gedanke deutlich unterstreicht! Not Just Boys Fun! Bei Liberatem! handelt es sich übrigens bereits um das sechste Album der Band aus São Paulo und neben Underdogs Records ist auch noch das Label toanol records am Release beteiligt.

Auch das wie bereits erwähnte Textheft im Fanzine-Format hat neben einer Menge Zeichnungen und Linolschnitte eine Vielzahl an Moshpit-Bildern zu bieten, zudem sind natürlich die erstmals in der Bandgeschichte komplett in portugiesischer Sprache vorgetragenen Texte, eine schön fette Thankslist mit internationalen Freunden und als Bonusschmankerl die Texte in der englischen Übersetzung abgedruckt. Hier bleiben keine Wünsche offen! Textlich zeigt man sich politisch, antifaschistisch und kämpferisch, dabei bleibt man aber überwiegend positiv und optimistisch, den ungerechten Kampf gegen das Übel dieser Welt doch noch zu gewinnen. Und hört man dazu den Sound des Quartetts, dann springt einem der Kampfgeist förmlich an! Da der Band wie bereits vermutet das Thema Unity ein großes Anliegen ist, dürfen daher auch gleich drei Gastbeiträge mit dabei sein. Zu hören sind Gabriel Zander (Zander/Radical Karma), Carl Schwartz (First Blood) und Ariel Uliana (Invasores de Cérebros). Beim Song Exclusao dachte ich zwar erst, dass Nene Altro von Dance Of Days da singen würde, aber dank des Hinweises wurde ich eines besseren belehrt.

Trifft die Plattennadel erstmal die Rille, dann empfiehlt es sich, die Lautstärkeregler schön derbe hochzudrehen und die richtige Geschwindigkeit (45 rpm) einzustellen! Der Sound ist nämlich schön basslastig und fett produziert, so macht das Ganze gleich viel mehr Laune und Druck. Questions sind nach wie vor sehr oldschoolig unterwegs, wenn es mal midtempolastiger zugeht, dann grooven Gitarre, Bass und Drums ordentlich. Erstaunlich ist dabei, wieviel sprudelnde Energie und Spielfreude die Band auch nach zwanzig Jahren Bandgeschichte noch in den Knochen hat! Als hätten sie sich erst vor ein paar Wochen gegründet, den begeisterten Enthusiasmus einer neuer Band tief im Herzen tragend und breit grinsend! Es geht jedenfalls immer treibend voran, und es wird durchaus auch mal schneller, z.B. beim kurzen Smasher Florar. Während die Gitarren moshen, was das Zeug hält, passt auch immer mal wieder ein melodisches Gitarrenriff dazwischen, natürlich dürfen fette Gangshouts auch nicht fehlen. Das Ganze klingt dann irgendwie nach einer Mischung aus New York Hardcore á la Madball oder auch mal Sick Of It All gepaart mit ganz frühen Sepultura und Ratos De Porão. Insgesamt gibt es zwölf Songs zu hören, darunter auch eine Coverversion der brasilianischen Punkband Inocentes (Aprendi A Odiar). Das Album macht jedenfalls große Laune, sich kopfüber in einen der abgebildeten Mosh-Pits zu stürzen. Die Band hat in der Vergangenheit ja schon einige Touren durch Europa gemacht, im Sommer wollen die Jungs auch mal wieder rüber kommen, sofern es bis dahin möglich ist. Also hingehen, falls sie in eurer Nähe spielen!

8/10

Facebook / Stream / Underdogs Records


 

Twins – „Soon“ (Through Love Rec. u.a.)

Meine ich das nur, oder sind in der letzten Zeit nicht unheimlich viele Hammer-Releases aus der heimischen Zone erschienen? Man denke nur an Zeugs wie die aktuellen Veröffentlichungen von Bands wie beispielsweise La Petite Mort/Little Death, Leitkegel, Auszenseiter, Hippie Trim, Colored Moth, Crispr Cas Method, Neska Lagun, Erai oder Alan Alan…ich könnte noch etliche andere Bands aufzählen! Es scheint an allen Ecken und Enden zu sprudeln! Und jetzt kommt auch noch mit Twins eine Band dazu, die es ohne zuvor irgendwie in Erscheinung zu treten auf Anhieb geschafft hat, für ihre Debutaufnahmen eine ganze Latte internationaler DIY-Qualitäts-Labels zu gewinnen! Das Debutalbum des Quartetts aus Dresden, Berlin und Leipzig erscheint in Zusammenarbeit der Labels Through Love Rec., Dingleberry Records, zilpzalp Records, Missed Out Records, Les Disques Rabat-Joie, Fresh Outbreak Records, No Funeral Records und Fireflies Fall. Alleine das dürfte schon als Indiz für ein bemerkenswert tolles Album ausreichen!

Beginnen wir mal von vorne: hab mal ein bisschen die Timeline der Jungs auf Facebook gecheckt und gesehen, dass dort die ersten Aktivitäten im Dezember 2017 erfolgten. Bis dato wurden ein paar Konzerte im Dreieck Dresden, Berlin und Leipzig gespielt, eine Handvoll Gigs außerhalb dieser Städte gab es auch noch, bevor auch schon die Aufnahmen zum Debutalbum in Angriff genommen wurden. Bemerkenswert dabei ist, dass die Hälfte der Bandmitglieder keinerlei Banderfahrung vorweisen kann, was bei solchen – Vorsicht Spoiler – Wahnsinnsalben heutzutage die absolute Ausnahme darstellt. Bei der anderen Hälfte handelt es sich um ehemalige Mitglieder der Indie-Screamo-Post-HC-Band Mikrokosmos 23. Eigentlich verwunderlich, die Sachen von Mikrokosmos 23 fand ich schon irgendwie gelungen, wurde aber nie so recht warm damit. Umso lustiger, dass mir die Nachfolgebands wie eben Twins und die neulich besprochenen Elmar so gut reinlaufen. Vielleicht sollte ich der Band doch nochmals Gehör schenken!

Jetzt kommen wir aber lieber mal zu den zehn Songs, die man auf Soon zu hören bekommt! Denn die reißen ab dem ersten Ton mit und lassen bis zum letzten Ton nicht mehr los! Und kaum sind die Songs durchgelaufen, brauch ich eine weitere Runde! Auf den ersten Blick erscheinen die Songarrangements etwas sperrig und unbequem, was sich aber nach ein paar Runden verflüchtigt. Da wird einerseits wild drauflos gezwirbelt, hektisch vorantreibende Drums und knödelnde Bassläufe bringen die Bude zum qualmen. Andererseits kommen aber auch immer wieder Parts zum Vorschein, die eingängige und atmosphärische Stimmungen transportieren. Und plötzlich findet man sich in einem intensiven Soundausbruch wieder und wundert sich dabei immer noch um den davorstehenden Part, in dem es noch ziemlich noisig, disharmonisch und weird mathig zur Sache gegangen ist. Alleine was der Schlagzeuger an Moves und Wechsel drauf hat, ist unglaublicher Wahnsinn! Und auch bei den Texten legt sich die Band nicht auf eine spezielle Sprache fest. Es kommt durchaus vor, dass in einem Song Englische Songzeilen auf Deutsche Sprachfetzen trifft.

Bevor ihr jetzt von meinen sprunghaften Beschreibungen abgeschreckt seid und der Eindruck entstehen könnte, dass die Band mit weniger Zutaten kochen sollte, möchte ich klarstellen, dass gerade das den Reiz der Sache ausmacht! Was für ein Zusammenspiel von Bass und Gitarre, was für ein Takten der Drums, was für ein Gesang, was für ein Lächeln, das uns dieses Album doch letztendlich ins Gesicht zaubert! Ich attestiere der Band Twins hiermit, dass sie die Fähigkeit besitzt, Geschmackserlebnisse in wundervolle Musik zu verwandeln! Die Jungs haben mit Sicherheit Platten von Bands wie beispielsweise At The Drive-In, Yage, Trip Fontaine, Kidcrash, Blood Brothers, The Notwist, Q And Not U und vielleicht sogar den Donots im Schrank stehen. Warum das? Der Chor von Clockroaches 2 erinnert mich irgendwie entfernt an den Refrain des Donots-Songs Stop The Clocks. Aber vielleicht geht da auch ein bisschen die Phantasie mit mir durch, bei so großartigen Alben kann das durchaus mal passieren.

10/10

Facebook / Bandcamp / Through Love Rec.


 

Hauke Henkel – „allein/verbunden“ (Stereo Dasein Records)

Auf den Namen Hauke Henkel stieß ich erstmals über eine Compilation namens Songs For The Spring, auf der auch mein eigenes Soloprojekt vertreten war. Das wunderschöne DIY-Release erschien in einer kleinen Auflage auf mum says be polite records, dem Label der großartigen Band Manku Kapak, bei welcher wiederum Hauke Henkel das Schlagzeug bediente. Vielen von euch dürfte der Name auch von der Split mit Manku Kapak bekannt sein, zudem ist Hauke seit vielen Jahren ausgiebig auf Tour. Seine ersten Sachen veröffentlichte er im Alleingang, diese gesammelten Songs erschienen dann im Jahr 2013 als Doppel-CD über das Label Stereo Dasein, bei welchem auch die beiden Alben Aufbruch im Fall und Urlaub im Wahnsinn erschienen sind. Das Berliner Label releaste nun auch sein drittes Album namens allein/verbunden auf Vinyl.

Das Cover zeigt eine düstere schwarz-weiß-Fotografie, darauf ist ein Mann zu sehen, der auf einem Steg am Meer sitzt. Gerade noch im Bild sieht man auch eine Katze, die sich ebenfalls auf dem Steg rumtreibt. Aus dem Inneren flattert neben einem Download-Code ein hochkantiges und liebevoll gestaltetes Textheftchen inklusive Zeichnungen. Über den Download-Code kommt man übrigens noch an zwei weitere auf der Vinylversion nicht enthaltene Bonus-Songs. Das Textheftchen würde auch ohne die Musik funktionieren, denn Hauke Henkel macht sich tiefgründige Gedanken, stets mit einem melancholischen Unterton. Neben persönlichem Seelenkram wird der Blick auch auf politische Entwicklungen gerichtet, die modernen Leiden des jungen W. sind nicht weit entfernt.

Trifft die Nadel dann aufs Vinyl, empfiehlt es sich, die Anlage etwas lauter zu stellen. Noch besser: setzt eure Kopfhörer auf, denn da zeigen die zehn Songs am Besten ihre Wirkung. Allein/verbunden ist nämlich eine ruhige Angelegenheit, hier geht es leise, bedächtig und gefühlvoll zu. Das Grundgerüst wird von Hauke Henkels etwas nuscheligem Gesang und seinem Klavier gebildet. Ein bisschen erinnert Haukes Stimme an Marcus Wiebusch von Kettcar. Im Textheftchen erfährt man übrigens, dass für die Aufnahmen verschiedene Klaviere benutzt wurden, zudem kommen auch Instrumente wie Synthesizer, Orgeln, Glockenspiel, Drumcomputer und diverse andere Soundspielereien zum Einsatz. So entstehen während der Spielzeit von knapp vierzig Minuten auf der LP beziehungsweise 48 Minuten auf der digitalen Version intime Soundscapes, die nach ein paar Durchläufen gut ins Ohr gehen. Obwohl der Gesang auf den ersten Blick etwas sperrig und monoton kommt, macht sich nach und nach eine poppige Stimmung breit. Zwischen Neo-Klassik, Indie und Pop schleichen sich auch immer wieder ein paar elektronische Soundspielereien ein, so dass die Stille dann doch noch mit ein paar Piepsgeräuschen gefüllt wird. Songs wie Haben, Gedicht oder Umdrehen nisten sich schleichend im Ohr ein. Oder hört mal diese berührende Synthie-Melodie beim Song Horizont an, einfach wundervoll! Allein/verbunden funktioniert natürlich am Besten an einem regnerischen Tag, da entfalten die Songs ihre volle Schönheit. Testet das ruhig mal in einer ruhigen Minute zwischen dem ganzen Krach an, den ihr sonst so hört!

8/10

Facebook / Bandcamp / Stereo Dasein


 

drych – „Selftitled“ (Pike Records)

Hier kommt mal wieder ein Debut-Release einer Band um die Ecke, bei dem man stutzig wird, warum immer wieder Bands aus dem Nichts in Erscheinung treten und es dazu schaffen, mit ihrem Debut alles niederzureißen. Eine oft zutreffende Erklärung ist hier natürlich der Hinweis, dass die beteiligten Mitglieder schon jahrelang miteinander Musik gemacht haben und zuvor auch durchaus mit namhaften Bands in Erscheinung getreten sind. Im Falle von drych kennt man die Beteiligten von Bands wie z.B. Elmar, ISWH oder Aslov Kinski. drych ist also ein junges Quartett aus Dresden, erste Facebook Aktivitäten stammen aus dem Jahr 2018. Genretechnisch geht der Sound der Dresdner eher in die Richtung der Band Aslov Kinski, grob gesagt machen die Jungs düster angehauchten Hardcore. drych ist übrigens laut einer Onlineübersetzung der walisische Begriff für „Spiegel“.

Ich habe lange gerätselt, was hinter dem Coverartwork stecken könnte.Irgendwie sieht der Hintergrund aus, wie die verbrannte Rinde eines Baumes. Auch die Bilder auf dem Backcover und im Poster-Textblatt deuten darauf hin, als ob ein Brand über eine ehemals intakte Natur gefegt wäre. Da auf dem Backcover eine Zeichnung eines toten Vogels abgebildet ist und auf dem Frontcover ein weinender Mensch zu sehen ist, der auch langsam dahinzuscheiden scheint, erscheint mir diese Vermutung zusammen mit den Texten betrachtet am schlüssigsten. Erst stirbt der Wald, dann der Mensch! Die Texte zu entziffern ist übrigens gar nicht so einfach, die etwas krakelige Handschrift liest sich in weißer Farbe auf teils hellem Hintergrund nicht so gut. Dafür sieht das Poster mit der Zeichnung einer brennenden Fackel ganz hübsch aus. Soweit ich es verstanden habe, ist die große gemeinsame Kuscheldecke des Kapitalismus ein zentrales Thema. Die Frage, wo sich in diesen orientierungslosen Zeiten denn noch Halt finden lässt, wird letztendlich nicht beantwortet. Vielmehr wird der Menschheit ein Spiegel vorgehalten, schließlich tragen wir alle permanent zur Zerstörung der Umwelt bei. Jedenfalls gibt es hier eine große Portion apokalyptischer Endzeitstimmung zu entdecken. Passend dazu kommt rotes und mit Rauchschwaden durchzogenes Vinyl zum Vorschein. Willkommen im Inferno! Das Ding ist einseitig bespielt, sechs Songs sind darauf zu hören.

Dementsprechend düster wabert der Sound aus den Lautsprechern. From Graft wütet direkt galoppierend und crustig los, der Schlagzeuger hackt zusammen mit dem Basser einmal kurz die vom Fegefeuer übriggelassenen Holzklumpen zu Staub, während die Gitarren die paar verbliebenen Bäume gnadenlos umsägen. Ganz schön flächiger Sound, auffallend sind hier die dissonanten Töne im Mittelteil, die von den Gitarren erzeugt werden. Natürlich schreit der Sänger zum höllischen Inferno seine Verzweiflung raus, so als ob er am Steuer eines brennenden Tanklastwagens das Gaspedal bis zum Anschlag durchdrücken würde, nur um den brennenden Tanker über die Klippen in den Abgrund zu jagen. Auch im nachfolgenden To Gravel bleibt es rasant, es wird mit reichlich Adrenalin gepumpt. Mir gefallen v.a. die immer wiederkehrenden unterschwelligen Melodien, die die Gitarren an die Oberfläche bugsieren. Zudem bauen die Jungs im Verlauf des Albums immer wieder chaotische, rasend schnelle Parts in ihre Songs mit ein, metallische Untertöne sind ebenfalls rauszuhören. Überhaupt ist das ganze schön abwechslungsreich und energiegeladen, melancholische Untertöne sind ebenso mit dabei und die satte Produktion von der Tonmeisterei drückt auch gewaltig! Wenn ihr crustig angehauchten Blackened Hardcore mit Screamo-Referenzen im Stil von Bands wie z.B. Rise And Fall oder Nails mögt, dann seid ihr bei drych genau richtig!

8.5/10

Facebook / Bandcamp / Pike Records


 

Cold Reading – „ZYT“ (KROD Records)

Nachdem die Luzerner Band Cold Reading mit ihrem Debutalbum und ihrer 2017er-EP schon einige Lorbeeren einsammeln konnte, wagen die Schweizer mit ihrem neuen Album einen weiteren Schritt in Richtung Olymp. Hinter dem mysteriösen Titel ZYT versteckt sich ein Konzeptalbum, was bei einigen Erdenbewohnern in Zeiten von Playlisten auf Streaming-Plattformen ja fast schon wieder einem Rückschritt in die Antike zugleich kommen könnte. Umso schöner, dass Cold Reading mit diesem Album ein Zeichen setzen und uns wachrütteln, damit wir uns auch mal wieder Zeit für ein Album nehmen können, die im Falle von ZYT absolut wichtig und zudem auch noch sinnvoll genutzt ist. Denn in die Platte einzutauchen, macht hier verdammt viel Laune und zeigt, dass Konzeptalben auch noch anno 2020 absolut berechtigt sind, wenn sie denn gut durchdacht sind.

Zu allererst habe ich mir Gedanken gemacht, was hinter dem Titel ZYT verborgen sein könnte. Darum muss ich jetzt einfach mal grob darauf eingehen, welches Konzept hinter dem Album steckt. Die Platte ist in drei verschiedene Zeitabschnitte gegliedert, die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Die Zeit ist hier also zentrales Thema. Da Cold Reading ja aus der Schweiz kommen und sich die dort lebenden jungen Menschen in den sozialen Netzwerken und auch per Messenger ausschließlich auf Schwyzerdütsch austauschen, liegt der Verdacht nahe, dass es sich bei dem Begriff ZYT um den schweizerdeutschen Slangausdruck für eben die bereits erwähnte Zeit handeln könnte. Da das Album in drei Zeitabschnitte geteilt ist, könnten auch die Anfangsbuchstaben für die verschiedenen Zeitabschnitte stehen, aber nur wenn deutsch und englisch abgewechselt werden darf. Z-Zukunft, Y-Yesterday, T-Today. Auch grafisch wurden die Zeitabschnitte umgesetzt. So steht für die Vergangenheit eine Fotografie auseinandergerissener Eisschollen, die Gegenwart ist durch einen Fluss durch ein Waldgebiet dargestellt und die Zukunft offenbart einen Blick ins Universum. Auf dem Cover sind diese Bilder ineinander verwoben dargestellt. Zum Besprechungszeitpunkt liegen mir zwar nur eine gebrannte CD und digitale Fotos vom aufwändig gestalteten Doppelvinyl vor, ich bin mir aber ziemlich sicher, dass man sich darin genauso verlieren kann, wie in der Musik des Quintetts.

Denn auch die Musik wurde auf das Thema Zeit konzipiert. Die ersten vier Songs sind an die Vergangenheit geknüpft. Dementsprechend nostalgisch klingen die Songs sehr nach dem Emo-Rock, den man so um die Jahrtausendwende herum auf die Ohren bekam. Gleich mit dem Opener Through the Woods, Pt. 1 findet man sich in einem hymnenhaften Refrain wieder, der an alte Helden wie z.B. Jimmy Eat World, Sunny Day Real Estate oder Thrice denken lässt. Zwischen glasklaren Gitarren, einfühlsamen Gesang und catchy Melodien kommen hier auch brachial auftürmende Gitarren zum Vorschein. Und genau in diesem Stil geht es bis zum Ende des Zeitabschnitts weiter, das mit einem eindrucksvollen instrumentalen Finale beendet wird. Und auch textlich spinnt sich das Konzept Zeit weiter. Wie es scheint, sind die Lyrics aus der Sicht einer einzigen Person geschrieben, die sich am Blick auf die Vergangenheit festklammert und droht, den Bezug zur Gegenwart zu verlieren. Schon die Beatles wussten es: Don’t Look Back! Ein guter Ratschlag! Ich hab da auch noch einen: mach es wie die Sonnenuhr, zähl die heiteren Stunden nur! Alles andere kann ungesund im Wehmut enden!

In den nachfolgenden vier Songs geht es um die Gegenwart. Hier steckt viel Selbsterkenntnis und der nüchterne Blick auf das Jetzt drin. Musikalisch hangelt sich das Quintett in verschachtelte Songstrukturen, die Musik wird kopflastiger und eher etwas ruhiger, die Gitarren werden etwas zurückgefahren und es kommt sogar ein Piano zum Einsatz. Trotzdem bleibt es vom Gefühl her bombastisch. Dieser Abschnitt scheint stark von Indierock-Bands wie beispielsweise Death Cab For Cutie, The Decemberists oder Modest Mouse beeinflusst zu sein. Stimmlich dominieren hier die höheren Tonlagen, zudem wird es atmosphärischer. Was eine ganz gute Überleitung zur Zukunft darstellt, in welcher die letzten vier Songs des Albums stattfinden und es in einigen Teilen längere instrumentale Phasen gibt. So bricht die Band in neue Gefilde auf, die bisher im Sound von Cold Reading noch keine große Rolle gespielt haben. Post-Rock, Electronica und Ambient können hier als deutliche Einflüsse vernommen werden. Und wenn das Album mit dem sagenhaft verträumten Through The Woods Pt. 3 schließt, dann wird klar, was für ein großartiges Album ZYT letztendlich ist. Und auch wird deutlich, dass es, obwohl es ja eigentlich um die Zeit geht, alles letztendlich recht zeitlos klingt. Ich ziehe hochachtungsvoll meinen Hut! Ganz großes Kino!

10/10

Facebook / Bandcamp / KROD Records


 

Giver – „Sculpture Of Violence“ (Holy Roar)

Wenn man sich mal die hiesige Hardcore-Szene der letzten Jahre so anschaut, dann gab es eigentlich nur wenige Bands, die es auch locker geschafft haben, auf internationaler Ebene mitzumischen. Auf Anhieb fallen mir da beispielsweise Wayste oder eben Giver ein. Gerade Giver sind so eine Band, die mit jedem weiteren Output noch einen draufsetzen und überraschen konnte. Auch auf dem mittlerweile zweiten Album der Band aus dem Raum Köln, Paderborn und Leipzig hört man zu keiner Zeit, dass man es hier mit einer Band aus Deutschland zu tun hat. Giver haben auf dem aktuellen Release den Metal-Anteil ein bisschen erhöht, was dem Sound nochmals eine Schippe Frische oben drauf packt. Bereits das Albumartwork kündigt an, dass der Sound weiterhin im düsteren Dickicht weitergeführt wird. Schlicht in schwarz-weißer Optik wirkt das Motiv gespenstisch und kalt, wie durch einen Blick durch einen Weißes-Rauschen-Filter. Der Mensch auf dem Weg in eine ungewisse und düstere Zukunft. Das geniale Cover-Foto wurde übrigens von der Fotografin Marie Laforge geknipst, für den Druck ist Druckwelle Design verantwortlich.

Analog zum Coverartwork wird auch textlich nachgebohrt. So beschäftigen sich die Texte beispielsweise mit dem Dämon der Gewalt, der in jedem Menschen schlummert, so dass die unendliche Spirale der Gewalt wahrscheinlich niemals ein Ende finden wird. In einer friedvollen Umgebung aufzuwachsen und Konflikte ohne Gewalt auszutragen wird immer mehr zur Utopie. Was mir an Giver sehr sympathisch ist, sind gerade die Inhalte, die zeigen, dass sich die Köpfe hinter der Band mit gesellschaftskritischen Themen auseinandersetzen, die in der Szene immer mehr in Vergessenheit zu geraten scheinen. Dabei hatten gesellschaftskritische und politische Inhalte seit Entstehen der Hardcoreszene immer ein besonderes Gewicht. Ich will mich jetzt hier nicht selbst loben, aber mich hat die Sozialisation durch HC/Punk mit Inhalten wie diesen zu einem besseren Menschen gemacht. Jedenfalls freut es mich unheimlich, dass solche Themen wieder aufgegriffen werden, zudem geschieht das bei Giver, ohne peinlich oder plump zu wirken. Die Texte setzen sich kritisch mit allerlei Themen auseinander, die in der doch immer noch arg männerdominierten Hardcore-Szene ruhig öfters angesprochen werden sollten. So werden z.B. patriarchale Strukturen und sich festsetzende Mainstream-Gewohnheiten hinterfragt. Lest also alle brav die Texte mit, wenn ihr die musikalische Reise antretet. Übrigens könnt ihr das absolut augen- und lesefreundlich machen, denn das Textblatt ist mit einer gut lesbaren Schriftgröße ausgestattet.

Okay, wie schon erwähnt, haben Giver ihrem rohen Hardcore-Sound einen satten Metalcore-Anteil zugefügt. Bereits der Opener zeigt unmissverständlich, in welche Richtung die zehn Songs in den nächsten 35 Minuten gehen werden. Die musikalischen Vorbilder dürften schnell irgendwo Mitte der Nullerjahre lokalisisert werden. Bands wie Modern Life Is War, Have Heart, Killing The Dream oder With Honor kommen mir da sofort in den Sinn. Jedenfalls klingen die fünf Jungs ganz schön amerikanisch! Und auch ganz schön groovig! Der intensive Sound besticht durch messerscharfe Gitarren, polternde Basslines, druckvoll ballernde Drums und wie ein Damoklesschwert schwebt über allem dieses brachiale Geschrei. Verdammt geil klingen natürlich auch die immer wiederkehrenden Gangshouts! Eins meiner Lieblingsstücke zeigt das ganz eindrucksvoll, checkt mal den Song Every Age Has Its Dragons (Like An Empire) an! Was für ein Abriss! Und immer wieder dringen diese melodischen Gitarrenriffs an die Oberfläche! Wahnsinn, wie schlüssig die Songarrangements sind, die satte Produktion kann sich ebenfalls sehen lassen. Und was das beste ist: die Songs machen auch nach mehrmaligem Hörgenuss noch tierisch Laune! Verdammt geil abgeliefert! Hier stimmt einfach alles! So geht Hardcore mit Herz und Seele!

10/10

Facebook / Bandcamp / Holy Roar Records


 

Empatía – „Discography 7inch“ (Miss The Stars Records)

Irgendwann im Herbst 2019 haben sich sicher einige von euch gefreut, als das DIY-Label Miss The Stars Records über seine Facebook-Seite verlauten ließ, dass – nachdem eigentlich keine weiteren Releases über das Label hätten mehr erscheinen sollen – nun also doch wieder Veröffentlichungen in Aussicht gestellt wurden. Der gute Alex hat wohl in der Zwischenzeit gemerkt, dass ihm ohne die Labelarbeit im Leben etwas gehaltvolles abhanden gekommen war. Und warum sollte es bei den ganzen Band-Reunions auch nicht mal eine Label-Reunion geben, noch dazu wenn es sich um ein so tolles und herzbetriebenes Label wie Miss The Stars Records handelt? Welcome Back!

Und wieder merke ich mal, wie die Zeit rast! Denn als ob ich die oben beschriebene Ankündigung erst vor gefühlten vier Wochen vernommen hätte, fand ich auch schon Anfang des Jahres ein Paket mit einer 7inch der Band Empatía im Briefkasten. Als erstes sticht das kontrastreiche Artwork der aufklappbaren Hülle ins Auge. Könnt ihr euch noch an das Artwork der portrayal of guilt-7inch erinnern? Irgendwie sieht diese Zeichnung hier aus, als ob es sich dabei um die gleiche Person handeln würde, nur dass sie aus einer anderen Perspektive gezeichnet wurde. Das Artwork stammt wieder – wie auch schon bei erwähnter 7inch und diversen anderen Arbeiten für das Label – aus der Feder von Christian Brix/kids artwork. Im aufklappbaren Teil sind dann die Songtexte abgedruckt. Da diese in spanischer Sprache vorgetragen werden, ist es ganz praktisch, dass auch eine englische Übersetzung beigefügt ist, so dass man die verzweifelten und düsteren Songinhalte nicht nur erahnen kann.

Falls ihr es übrigens im Titel überlesen haben solltet, handelt es sich bei diesen 13 Songs um die bisherige Discography der Band aus Bogota/Kolumbien. Die Songs sind in den Jahren 2017-2018 digital auf Bandcamp erschienen. Nun, wie passen 13 Songs auf eine 7inch? Ganz genau, die Band kommt sofort auf den Punkt und haut euch ohne Umschweife und mit Songlängen zwischen 35 Sekunden und deutlich unter zwei Minuten eine emotionsgeladene, herzzereißende und schmerzgeplagte Mischung aus Screamo, Emoviolence, Hardcore und Punk um die Ohren! Dabei gefällt v.a. die rohe und räudige Herangehensweise. Dem ersten Anschein nach regiert hier der Lärm! Hört man aber aufmerksamer hin, dann schleichen sich immer wieder unterschwellig melodische Parts ins Chaos ein. Gerade der Song Fragmentos ist so ein Beispiel für die vertrackte und etwas ruhiger wirkende Seite der Band. V.a. der Bass trägt hier einiges dazu bei, auch die Drums variieren von unkontrollierten und arhythmischen Ausbrüchen bis hin zu dynamischen Parts, die mit flirrenden Gitarren das Herz zum Hüpfen bringen. Und immer wieder überrascht eine dissonante Gitarrenspur, wie z.B. im letzten Song La Chispa Roja. Dieses Scheibchen ist mit Sicherheit für jeden DIY-Screamo/Emoviolence-Fan ein gefundenes Fressen, denn Empatía ist diesen Aufnahmen zufolge eine Band voller Leidenschaft, die sich mit Haut und Haaren in Ekstase spielt und dieses Gefühl vermittelt, ständig außer Atem zu sein!

8/10

Facebook / Bandcamp / Miss The Stars Records