Cold Reading – „ZYT“ (KROD Records)

Steff Beans

Nachdem die Luzerner Band Cold Reading mit ihrem Debutalbum und ihrer 2017er-EP schon einige Lorbeeren einsammeln konnte, wagen die Schweizer mit ihrem neuen Album einen weiteren Schritt in Richtung Olymp. Hinter dem mysteriösen Titel ZYT versteckt sich ein Konzeptalbum, was bei einigen Erdenbewohnern in Zeiten von Playlisten auf Streaming-Plattformen ja fast schon wieder einem Rückschritt in die Antike zugleich kommen könnte. Umso schöner, dass Cold Reading mit diesem Album ein Zeichen setzen und uns wachrütteln, damit wir uns auch mal wieder Zeit für ein Album nehmen können, die im Falle von ZYT absolut wichtig und zudem auch noch sinnvoll genutzt ist. Denn in die Platte einzutauchen, macht hier verdammt viel Laune und zeigt, dass Konzeptalben auch noch anno 2020 absolut berechtigt sind, wenn sie denn gut durchdacht sind.

Zu allererst habe ich mir Gedanken gemacht, was hinter dem Titel ZYT verborgen sein könnte. Darum muss ich jetzt einfach mal grob darauf eingehen, welches Konzept hinter dem Album steckt. Die Platte ist in drei verschiedene Zeitabschnitte gegliedert, die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Die Zeit ist hier also zentrales Thema. Da Cold Reading ja aus der Schweiz kommen und sich die dort lebenden jungen Menschen in den sozialen Netzwerken und auch per Messenger ausschließlich auf Schwyzerdütsch austauschen, liegt der Verdacht nahe, dass es sich bei dem Begriff ZYT um den schweizerdeutschen Slangausdruck für eben die bereits erwähnte Zeit handeln könnte. Da das Album in drei Zeitabschnitte geteilt ist, könnten auch die Anfangsbuchstaben für die verschiedenen Zeitabschnitte stehen, aber nur wenn deutsch und englisch abgewechselt werden darf. Z-Zukunft, Y-Yesterday, T-Today. Auch grafisch wurden die Zeitabschnitte umgesetzt. So steht für die Vergangenheit eine Fotografie auseinandergerissener Eisschollen, die Gegenwart ist durch einen Fluss durch ein Waldgebiet dargestellt und die Zukunft offenbart einen Blick ins Universum. Auf dem Cover sind diese Bilder ineinander verwoben dargestellt. Zum Besprechungszeitpunkt liegen mir zwar nur eine gebrannte CD und digitale Fotos vom aufwändig gestalteten Doppelvinyl vor, ich bin mir aber ziemlich sicher, dass man sich darin genauso verlieren kann, wie in der Musik des Quintetts.

Denn auch die Musik wurde auf das Thema Zeit konzipiert. Die ersten vier Songs sind an die Vergangenheit geknüpft. Dementsprechend nostalgisch klingen die Songs sehr nach dem Emo-Rock, den man so um die Jahrtausendwende herum auf die Ohren bekam. Gleich mit dem Opener Through the Woods, Pt. 1 findet man sich in einem hymnenhaften Refrain wieder, der an alte Helden wie z.B. Jimmy Eat World, Sunny Day Real Estate oder Thrice denken lässt. Zwischen glasklaren Gitarren, einfühlsamen Gesang und catchy Melodien kommen hier auch brachial auftürmende Gitarren zum Vorschein. Und genau in diesem Stil geht es bis zum Ende des Zeitabschnitts weiter, das mit einem eindrucksvollen instrumentalen Finale beendet wird. Und auch textlich spinnt sich das Konzept Zeit weiter. Wie es scheint, sind die Lyrics aus der Sicht einer einzigen Person geschrieben, die sich am Blick auf die Vergangenheit festklammert und droht, den Bezug zur Gegenwart zu verlieren. Schon die Beatles wussten es: Don’t Look Back! Ein guter Ratschlag! Ich hab da auch noch einen: mach es wie die Sonnenuhr, zähl die heiteren Stunden nur! Alles andere kann ungesund im Wehmut enden!

In den nachfolgenden vier Songs geht es um die Gegenwart. Hier steckt viel Selbsterkenntnis und der nüchterne Blick auf das Jetzt drin. Musikalisch hangelt sich das Quintett in verschachtelte Songstrukturen, die Musik wird kopflastiger und eher etwas ruhiger, die Gitarren werden etwas zurückgefahren und es kommt sogar ein Piano zum Einsatz. Trotzdem bleibt es vom Gefühl her bombastisch. Dieser Abschnitt scheint stark von Indierock-Bands wie beispielsweise Death Cab For Cutie, The Decemberists oder Modest Mouse beeinflusst zu sein. Stimmlich dominieren hier die höheren Tonlagen, zudem wird es atmosphärischer. Was eine ganz gute Überleitung zur Zukunft darstellt, in welcher die letzten vier Songs des Albums stattfinden und es in einigen Teilen längere instrumentale Phasen gibt. So bricht die Band in neue Gefilde auf, die bisher im Sound von Cold Reading noch keine große Rolle gespielt haben. Post-Rock, Electronica und Ambient können hier als deutliche Einflüsse vernommen werden. Und wenn das Album mit dem sagenhaft verträumten Through The Woods Pt. 3 schließt, dann wird klar, was für ein großartiges Album ZYT letztendlich ist. Und auch wird deutlich, dass es, obwohl es ja eigentlich um die Zeit geht, alles letztendlich recht zeitlos klingt. Ich ziehe hochachtungsvoll meinen Hut! Ganz großes Kino!

10/10

Facebook / Bandcamp / KROD Records

 

Giver – „Sculpture Of Violence“ (Holy Roar)

Steff Beans

Wenn man sich mal die hiesige Hardcore-Szene der letzten Jahre so anschaut, dann gab es eigentlich nur wenige Bands, die es auch locker geschafft haben, auf internationaler Ebene mitzumischen. Auf Anhieb fallen mir da beispielsweise Wayste oder eben Giver ein. Gerade Giver sind so eine Band, die mit jedem weiteren Output noch einen draufsetzen und überraschen konnte. Auch auf dem mittlerweile zweiten Album der Band aus dem Raum Köln, Paderborn und Leipzig hört man zu keiner Zeit, dass man es hier mit einer Band aus Deutschland zu tun hat. Giver haben auf dem aktuellen Release den Metal-Anteil ein bisschen erhöht, was dem Sound nochmals eine Schippe Frische oben drauf packt. Bereits das Albumartwork kündigt an, dass der Sound weiterhin im düsteren Dickicht weitergeführt wird. Schlicht in schwarz-weißer Optik wirkt das Motiv gespenstisch und kalt, wie durch einen Blick durch einen Weißes-Rauschen-Filter. Der Mensch auf dem Weg in eine ungewisse und düstere Zukunft. Das geniale Cover-Foto wurde übrigens von der Fotografin Marie Laforge geknipst, für den Druck ist Druckwelle Design verantwortlich.

Analog zum Coverartwork wird auch textlich nachgebohrt. So beschäftigen sich die Texte beispielsweise mit dem Dämon der Gewalt, der in jedem Menschen schlummert, so dass die unendliche Spirale der Gewalt wahrscheinlich niemals ein Ende finden wird. In einer friedvollen Umgebung aufzuwachsen und Konflikte ohne Gewalt auszutragen wird immer mehr zur Utopie. Was mir an Giver sehr sympathisch ist, sind gerade die Inhalte, die zeigen, dass sich die Köpfe hinter der Band mit gesellschaftskritischen Themen auseinandersetzen, die in der Szene immer mehr in Vergessenheit zu geraten scheinen. Dabei hatten gesellschaftskritische und politische Inhalte seit Entstehen der Hardcoreszene immer ein besonderes Gewicht. Ich will mich jetzt hier nicht selbst loben, aber mich hat die Sozialisation durch HC/Punk mit Inhalten wie diesen zu einem besseren Menschen gemacht. Jedenfalls freut es mich unheimlich, dass solche Themen wieder aufgegriffen werden, zudem geschieht das bei Giver, ohne peinlich oder plump zu wirken. Die Texte setzen sich kritisch mit allerlei Themen auseinander, die in der doch immer noch arg männerdominierten Hardcore-Szene ruhig öfters angesprochen werden sollten. So werden z.B. patriarchale Strukturen und sich festsetzende Mainstream-Gewohnheiten hinterfragt. Lest also alle brav die Texte mit, wenn ihr die musikalische Reise antretet. Übrigens könnt ihr das absolut augen- und lesefreundlich machen, denn das Textblatt ist mit einer gut lesbaren Schriftgröße ausgestattet.

Okay, wie schon erwähnt, haben Giver ihrem rohen Hardcore-Sound einen satten Metalcore-Anteil zugefügt. Bereits der Opener zeigt unmissverständlich, in welche Richtung die zehn Songs in den nächsten 35 Minuten gehen werden. Die musikalischen Vorbilder dürften schnell irgendwo Mitte der Nullerjahre lokalisisert werden. Bands wie Modern Life Is War, Have Heart, Killing The Dream oder With Honor kommen mir da sofort in den Sinn. Jedenfalls klingen die fünf Jungs ganz schön amerikanisch! Und auch ganz schön groovig! Der intensive Sound besticht durch messerscharfe Gitarren, polternde Basslines, druckvoll ballernde Drums und wie ein Damoklesschwert schwebt über allem dieses brachiale Geschrei. Verdammt geil klingen natürlich auch die immer wiederkehrenden Gangshouts! Eins meiner Lieblingsstücke zeigt das ganz eindrucksvoll, checkt mal den Song Every Age Has Its Dragons (Like An Empire) an! Was für ein Abriss! Und immer wieder dringen diese melodischen Gitarrenriffs an die Oberfläche! Wahnsinn, wie schlüssig die Songarrangements sind, die satte Produktion kann sich ebenfalls sehen lassen. Und was das beste ist: die Songs machen auch nach mehrmaligem Hörgenuss noch tierisch Laune! Verdammt geil abgeliefert! Hier stimmt einfach alles! So geht Hardcore mit Herz und Seele!

10/10

Facebook / Bandcamp / Holy Roar Records

 

Empatía – „Discography 7inch“ (Miss The Stars Records)

Steff Beans

Irgendwann im Herbst 2019 haben sich sicher einige von euch gefreut, als das DIY-Label Miss The Stars Records über seine Facebook-Seite verlauten ließ, dass – nachdem eigentlich keine weiteren Releases über das Label hätten mehr erscheinen sollen – nun also doch wieder Veröffentlichungen in Aussicht gestellt wurden. Der gute Alex hat wohl in der Zwischenzeit gemerkt, dass ihm ohne die Labelarbeit im Leben etwas gehaltvolles abhanden gekommen war. Und warum sollte es bei den ganzen Band-Reunions auch nicht mal eine Label-Reunion geben, noch dazu wenn es sich um ein so tolles und herzbetriebenes Label wie Miss The Stars Records handelt? Welcome Back!

Und wieder merke ich mal, wie die Zeit rast! Denn als ob ich die oben beschriebene Ankündigung erst vor gefühlten vier Wochen vernommen hätte, fand ich auch schon Anfang des Jahres ein Paket mit einer 7inch der Band Empatía im Briefkasten. Als erstes sticht das kontrastreiche Artwork der aufklappbaren Hülle ins Auge. Könnt ihr euch noch an das Artwork der portrayal of guilt-7inch erinnern? Irgendwie sieht diese Zeichnung hier aus, als ob es sich dabei um die gleiche Person handeln würde, nur dass sie aus einer anderen Perspektive gezeichnet wurde. Das Artwork stammt wieder – wie auch schon bei erwähnter 7inch und diversen anderen Arbeiten für das Label – aus der Feder von Christian Brix/kids artwork. Im aufklappbaren Teil sind dann die Songtexte abgedruckt. Da diese in spanischer Sprache vorgetragen werden, ist es ganz praktisch, dass auch eine englische Übersetzung beigefügt ist, so dass man die verzweifelten und düsteren Songinhalte nicht nur erahnen kann.

Falls ihr es übrigens im Titel überlesen haben solltet, handelt es sich bei diesen 13 Songs um die bisherige Discography der Band aus Bogota/Kolumbien. Die Songs sind in den Jahren 2017-2018 digital auf Bandcamp erschienen. Nun, wie passen 13 Songs auf eine 7inch? Ganz genau, die Band kommt sofort auf den Punkt und haut euch ohne Umschweife und mit Songlängen zwischen 35 Sekunden und deutlich unter zwei Minuten eine emotionsgeladene, herzzereißende und schmerzgeplagte Mischung aus Screamo, Emoviolence, Hardcore und Punk um die Ohren! Dabei gefällt v.a. die rohe und räudige Herangehensweise. Dem ersten Anschein nach regiert hier der Lärm! Hört man aber aufmerksamer hin, dann schleichen sich immer wieder unterschwellig melodische Parts ins Chaos ein. Gerade der Song Fragmentos ist so ein Beispiel für die vertrackte und etwas ruhiger wirkende Seite der Band. V.a. der Bass trägt hier einiges dazu bei, auch die Drums variieren von unkontrollierten und arhythmischen Ausbrüchen bis hin zu dynamischen Parts, die mit flirrenden Gitarren das Herz zum Hüpfen bringen. Und immer wieder überrascht eine dissonante Gitarrenspur, wie z.B. im letzten Song La Chispa Roja. Dieses Scheibchen ist mit Sicherheit für jeden DIY-Screamo/Emoviolence-Fan ein gefundenes Fressen, denn Empatía ist diesen Aufnahmen zufolge eine Band voller Leidenschaft, die sich mit Haut und Haaren in Ekstase spielt und dieses Gefühl vermittelt, ständig außer Atem zu sein!

8/10

Facebook / Bandcamp / Miss The Stars Records

 

Bandsalat: Broken Fingers, The Good The Bad and The Zugly, Lethvm, Loud Love, New Forms, To Be Gentle, Veresk, Watch Me Rise

Steff Beans

Broken Fingers – „EGO“ (DIY) [Stream]
Nach einer EP und einer Split gibt’s nun das Debut-Album der Band aus Athen. Broken Fingers sind eng mit der Band Ruined Families befreundet, im Line-Up gibt es wohl auch Überschneidungen. Auf insgesamt elf Songs präsentieren die Griechen eine schön nach vorne gehende und intensive Mischung aus Post-Hardcore, Screamo und etwas Punk. Die Gitarren zwirbeln saftig aus den Lautsprechern, die Drums gehen gut ab, der Bass poltert ebenfalls gewaltig. An manchen Stellen wird das Ganze dann aber auch atmosphärischer, so dass es zu keiner Zeit langweilig wird. Hört euch mal beispielsweise den Song Restless an, da kann man eigentlich die ganze Bandbreite der Jungs in einem einzigen Song checken und falls ihr den Player beim nachfolgenden Familiar Patterns noch laufen habt, wollt ihr das Ding sowieso von Beginn an hören.

The Good The Bad and The Zugly – „Algorithm and Blues“ (Fysisk Format) [Stream]
Auch auf ihrem vierten Album geben die Norweger wieder ordentlich Gas und schmettern uns ihre typische Mischung aus melodischen Skatepunk und Kick-Ass-Rock um die Ohren. Dabei gefallen natürlich wie immer die selbstironischen Lyrics, die mit massig schwarzem Humor wieder herausragend ausgefallen sind. Beim letzten Album wurden die eigenen Wehwehchen betrauert, in den neuen Songs werden die weltweiten Probleme zum Thema. Wenn ihr in den Neunzigern gerne Zeugs wie Turbonegro, Gluecifer, Hellacopters, Amulet, Aerobitch, (The Almighty) Trigger Happy oder die Anal Babes mochtet, dann dürften The Good The Bad The Zugly bei euch wie eine Bombe einschlagen. Dreizehn arschtretende und catchy Songs sorgen für ein energiegeladenes Album, diese Songs machen jedenfalls tierisch Lust, ein bisschen bei einer Live-Show die Sau rauszulassen. Übrigens sind die Bandmitglieder schon seit Ewigkeiten tief in der Hardcore/Punk-Szene Norwegens verwurzelt. Aktuelle und verflossene Bands sind Kosmik Boogie Tribe, Wonderfools, The Devil and the Almighty Blues, Silver, Happy Dagger und neuerdings ist Sänger Ivar Nikolaisen auch noch bei Kvelertak mit dabei. Und so wie es sich auf Algorithm and Blues anhört, sind die Jungs mit viel Spaß und mitsamt Haut und Haaren bei der Sache.

Lethvm – „Acedia“ (Dunk Records) [Stream]
Das mittlerweile zweite Album der belgischen Band Lethvm ist ein richtig fieses und düsteres Stück Musik geworden, aber hallo! Gleichzeitig haftet den Songs aber auch ’ne riesige Portion Melancholie und Verzweiflung an, v.a. bedingt durch die extrem kreischenden Vocals. Schleppend und mächtig wabert der Sound aus den Lautsprechern, dabei darf es auch gern mal monoton und dissonant werden. Bei Songlängen um die fünf Minuten aufwärts kann sich die Band aber auch richtig austoben, so dass es auch mal schneller werden kann, ruhigere atmosphärische Momente dringen auch hin und wieder an die Oberfläche. Wenn ihr euch eine dystopische Mischung aus Screamo mit sehr düsterem Doom/Black-Metal vorstellen könnt, dann hört doch hier mal rein!

Loud Love – „Selftitled“ (White Russian Records) [Stream]
Wie Lethvm kommen Loud Love ebenfalls aus Belgien, allerdings sind Loud Love weitaus positiver und melodischer unterwegs. Insgesamt fünf Songs sind auf der Debut-EP des Quintetts zu hören. Vor Loud Love haben die Bandmitglieder bei den Bands Circle, Cast Down, We’re Wolves, The Setup, Daktari und El Mirage gezockt. Die Jungs machen catchy und mitreißenden Post-Hardcore, Einflüsse aus Emo und Punkrock sind ebenfalls vorhanden. Mich erinnert das in erster Linie an Bands wie z.B. Grade, Hawthorne Heights, Hot Water Music oder eben Circle, gerade aufgrund des Gesangs. Sänger Dries pendelt gekonnt zwischen gescreamten Parts und rau gesungenen Passagen. Ganz schön mitreißend und für Jahrtausendwenden-Post-Hardcore-Fans absolut zu empfehlen!

New Forms – „I Don’t Want To Live My Life Again“ (DIY) [Name Your Price Download]
Aus Boston, Massachusetts kommt diese relativ neue Band, auf die ich neulich beim Bandcamp-Browsing gestoßen bin. New Forms machen so eine ziemlich wilde und intensive Mischung aus chaotischem Screamo/Skramz, Post-Hardcore, Emoviolence und Punk. Die Gitarren klingen meistens sehr melancholisch, machen aber ordentlich Wind, v.a. wenn die kraftvoll gespielten Drums und das leidende Geschrei noch mit an Bord ist. Die sechs Songs sind jedenfalls im Nu vorbei, bei Songlängen von nicht mal einer Minute eigentlich auch kein Wunder. Aber trotz der knappen Spielzeit passiert hier einiges! So, und nach einer kleinen Internet-Recherche weiß ich dann auch, dass die Mitglieder bereits bei Bands wie Alessa, Youth Funeral, Waking Life und Casper Elgin gezockt haben.

To Be Gentle – „L’autre Côté de la Peur“ (Missed Out Records) [Stream]
Auf den ersten Blick sieht diese Veröffentlichung wie eine EP aus, aber aufgrund der Spielzeit von annähernd einer halben Stunde kann man eigentlich schon von einem Album sprechen. Nun, To Be Gentle kommen aus Kalifornien und L’autre Côté de la Peur ist bereits das zweite Album der Band. Das Trio macht eine geile Mischung aus Screamo und Post-Hardcore. Dem Sound hört man an, dass eine gewisse Schwere auf ihm lastet. Die Gitarren kommen schön fett auf der einen Seite, auf der anderen Seite aber auch sehr melodisch. Der Sänger leidet, was man anhand der gescreamten Vocals und den Lyrics unschwer erkennen kann. Textlich gibt man sich nachdenklich, es werden passend zum Albumtitel alltägliche Ängste beschrieben, natürlich geht es auch um Sehnsüchte und Coming Of Age. Was mir bei To Be Gentle so gefällt, ist die dichte Atmosphäre, die in den längeren instrumentalen Passagen ins Gehör sticht. Diese entsteht durch die Rhythmusmaschine aus pumpendem Bass und kraftvoll gespielten Drums und den ungewöhnlichen, metallisch anmutenden Gitarrenklängen. Hört da mal rein, wenn ihr es gern ein bisschen düster habt.

Veresk – „холодно“ (DIY) [Name Your Price Download]
Über die Band Veresk habe ich jetzt nicht sonderlich viel in Erfahrung bringen können, außer dass es sich um ein ziemlich neues Trio aus Sankt Petersburg handelt. Mit холодно hat die Band bereits die zweite EP innerhalb eines halben Jahres veröffentlicht. Am besten holt ihr euch neben der aktuellen 3-Song-EP auch gleich noch die erste EP, so kommt ihr auf insgesamt sieben Songs. Die Band macht emotionalen Post-Hardcore mit schönen Twinkle-Gitarren, ein Hang zu wundervollem Midwest-Emo ist ebenfalls vorhanden. Gesungen wird in russischer Sprache, dank der Internetübersetzung wird meine Vermutung bestätigt: die Texte sind melancholisch und stecken voller Sehnsucht. Veresk bedeutet übersetzt übrigens „Heidekraut“. Und jetzt: zippt euch beide EPs auf die Festplatte, aber dalli!

Watch Me Rise – „Cancer // Addict“ (DIY) [Stream]
Neulich schon in ’ner Bandsalat-Runde angepriesen, legt die Frankfurter Band Watch Me Rise eine neue Zwei-Song-EP nach. Und ich hab’s ja damals schon gesagt, dass man die Jungs im Auge behalten sollte. Klang der Sound auf der Debut-EP noch etwas dünn, ballern diese Aufnahmen ein bisschen fetter aus den Lautsprechern. Die vielschichtig aufgebauten Songs sind jedenfalls viel zu schnell wieder vorbei. Die Gitarren kommen schön melodisch um die Ecke, dazu gesellt sich ein wummernder Bass, vertracktes und nach vorne gehendes Drumming und ein Sänger, der sehr viel und intensiv leidet. Vom Sound her ist das eine Mischung aus Post-Hardcore und Screamo, Vorbilder dürften Bands wie La Dispute, Touché Amore und Pianos Become The Teeth sein. Unbedingt anchecken!

 

Herr Paulsen und das Zeitproblem – „aufgewacht verlaufen“ (Tanz auf Ruinen Records u.a.)

Steff Beans

Auf Herr Paulsen und das Zeitproblem wurde ich erstmals durch ein Interview und einen Samplerbeitrag in der letzten Provinzpostille aufmerksam. Und irgendwie hab ich es die ganze Zeit nicht geschafft, mal in die bisherigen Veröffentlichungen der Band aus Berlin reinzuhören. Da nimmt man sich beim Lesen etwas ganz stark vor und mangels Zeit und fortschreitendem Gedächtnisschwund kommt man dann doch nicht dazu. Was für ein Glück, dass einige Zeit später wie durch eine schicksalshafte Fügung eine Besprechungsanfrage im Posteingang aufploppte und ein paar Tage danach auch schon der Postbote mit dem zweiten Album der Band an der Tür klingelte. Schon verrückt! Und irgendwie bin ich jetzt ganz froh, dass ich so viel Zeit verstreichen lassen habe, um die Band endlich mal anzuchecken. Denn auf Vinyl macht so etwas einfach viel mehr Laune! Die 12inch ist als Co-Release der Labels Tanz Auf Ruinen, Elfenart Records und 30 Kilo Fieber Records erschienen, die digitale Version wurde durch Kidnap Music möglich gemacht.

Die Platte wirkt auf den ersten Blick rein äußerlich irgendwie herbstlich und trist. Das Coverartwork besteht aus einer Fotografie eines einsamen Kerls, der irgendwo in der Pampa in einer ausgestorbenen Gegend durch morgendliche, herbstliche Nebelschwaden irrt. Aufgewacht verlaufen! Aus dem Inneren kommt weißes Vinyl, ein mit Polaroids bebildertes Textblatt, ein paar Aufkleber und ein Download-Code zum Vorschein, obwohl es die Digital-Version auch bei Bandcamp zum Name Your Price Download gibt. Ein Rundum-Wohlfühlgefühl für den Vinylliebhaber! Die poetisch angehauchten und metaphorischen Lyrics drehen sich um alltägliche Dinge, die schwermütige Menschen tiefgehend beschäftigen. Ein selbstzweifelnder Blick auf das eigene Leben, auf den Verlust, man rennt permanent gegen Mauern und ständig platzen Träume, es scheint alles aussichtslos zu sein.

Mit dem Aufsetzen der Nadel wird jedenfalls schon mit den ersten Klängen des Openers Day 7 klar, dass es auf aufgewacht verlaufen auch musikalisch sehr melancholisch werden wird. Moment mal, da wird im Titel und Text doch auf den gleichnamigen Song von The Notwist angespielt? Damals waren The Notwist noch mehr Gitarre als Elektronik, aber rein musikalisch sehe ich außer ein paar schrammeligen Gitarren ansonsten keine Parallelen. Das Quartett tobt sich eher auf der Spielwiese des sentimentalen Emo-Punks aus, da kommen natürlich unweigerlich Referenzbands wie frühe Muff Potter, Colt., El Mariachi oder frühe Turbostaat in den Sinn, auch Bands wie Captain Planet oder Knochenfabrik schimmern ab und an durch. Die Gitarren kratzen schön rau und verzerrt und vor allem dissonant aus den Lautsprechern, dazu gesellt sich ein gegenspielender Bass, abwechslungsreiche und teils treibende Drums, die auch an vielen Stellen einfach mal zurückgenommen werden, bringen frischen Wind mit rein. Und natürlich sind da die Vocals, die größtenteils mehr gesungen als gebrüllt rüberkommen und dem Ganzen nochmals ’ne Schippe Melancholie und Schwere oben drauf drücken. Im Verlauf der neun Songs lassen sich jedenfalls sehr viele Highlights entdecken, dazu sind die Songs erstaunlich eingängig und live vermutlich ganz schön tanzbar. Hört doch nur mal Ebbe & Flaute, Überholt oder das tolle 300& mit diesem schönen Gitarrenintro an! Selbst schnellere Punkrocksongs wie Myosotis oder Feuerwerk lassen die Beinchen aufgeregt wippen. Der lebendige Sound rührt vermutlich auch daher, dass die Songs live eingespielt wurden. So, und jetzt kann ich mich nach ausgiebigem Hörgenuss dann endlich mal den ersten beiden Veröffentlichungen widmen und euch dieses Album nur wärmstens ans Herz legen!

8/10

Facebook / Bandcamp / Tanz Auf Ruinen

 

Bandsalat: Caracara, The Deadnotes, East, Montecharge, Origami Angel, Søren, Tarr, Vi Som Älskade Varandra Så Mycket

Steff Beans

Caracara – „Better“ (Memory Music) [Stream]
Bei Caracara trifft der Spruch „Besser spät als nie“ bei mir hundertprozentig ins Schwarze. Bin auf die aktuelle EP der Band aus Philadelphia, Pennsylvania vor Kurzem auf irgendwelche nicht mehr nachvollziehbaren Wege bei Bandcamp gestoßen. Es wird euch auch so gehen, dass ihr ab dem ersten Ton des Songs Better wie gefesselt dasitzen und gebannt dem emotionalen Sound des Quartetts verfallen werdet. Und nach Durchlauf der drei Songs werdet ihr gierig nach mehr lechzen und nach bisherigen Releases der Band Ausschau halten. Es gibt zwar nur noch ein Album, das schlägt aber ungefähr in die gleiche Kerbe! Die Band macht grob umschrieben einen äußerst melancholischen Mix aus Emocore und Indierock und erinnert dabei an eine Symbiose von Bands wie beispielsweise neueren Piano Becomes The Teeth und Indie-Zeugs wie ganz frühen The Fray. Zuerst war es der eindringende Gesang, der mich hellhörig machte, dann entdeckte ich, dass hinter den gefühlvoll gespielten Gitarren und dem sagenhaft geilen Drumming noch viel mehr steckt, denn es geht auch durchaus mal heftiger und verzerrter zur Sache. Wer in diesem ereignisreichen Sound nicht die Leidenschaft und das Herzblut entdeckt, dem kann auch nicht mehr geholfen werden. Und jetzt bitte alle: Caracara anchecken, glücklich werden und anschließend im Auge behalten!

Deadnotes, The – „Courage“ (22Lives Records) [Stream]
Meine bisherigen Berührungspunkte mit der Band The Deadnotes tendieren Richtung null, obwohl das Trio in seiner neunjährigen Bestehenszeit bereits eine Reihe an Releases veröffentlicht und eine ganze Latte an Konzerten gespielt hat. Die Band aus Freiburg wurde von drei Freunden im zarten Alter von 15 Jahren gegründet, so dass die Jungs mit der Veröffentlichung des mittlerweile zweiten Albums mit fast Mitte Zwanzig immer noch als Jungspunde bezeichnet werden können. Was sympathisch klingt, ist die Tatsache, dass sich die Jungs dazu entschlossen haben, für künftige Releases ein eigenes Label zu gründen. Als Rockband, die den Überblick behalten will und am Ende ja von der einkommenden Kohle irgendwie über die Runden kommen sollte, gibt es eigentlich kaum eine bessere Lösung. Dass so etwas ganz gut laufen kann, zeigen andere Bands wie z.B. die Leoniden. Natürlich nur vorausgesetzt, dass man sich den Arsch abspielt und mit Herz und Seele bei der Sache ist. Hört man die zehn Songs auf Courage, dann sieht man zumindest beide Punkte bestätigt. The Deadnotes machen packende und aussagekräftige Rockmusik, teilweise garniert mit Pop-Punk-Einflüssen und etwas Emo-Rock. Die Songs sind bestens arrangiert, hinzu kommen geniale Gitarrenmelodien und hymnenhafte Refrains. Der Sound kommt schön druckvoll um die Ecke, so dass man kaum glauben kann, dass hier nur ein Trio am Werk sein soll. Und auch die Songinhalte zeigen pfiffige Gedanken und gehen in eine Richtung, die man von Rockbands nicht so gewohnt ist. Die Texte setzen sich z.B. mit Themen wie mentaler Gesundheit, verkehrten Schönheitsidealen und Konsumkritik auseinander, zudem zieht sich der titelgebende Mut wie ein roter Faden durchs Album. Als Anspieltips empfehle ich mal das treibende Makeup oder das hymnische Cling To You. Wenn ihr gitarrenorientierte Emo-Rock-Bands wie Jimmy Eat World oder Favez mögt, dann solltet ihr hier mal rein hören!

East – „In An Instant“ (midsummer records) [Video]
Auf das Debutalbum der Band East aus Trier und Berlin dürften sicher schon einige von euch fieberhaft gewartet haben. Diejenigen, welchen die Band noch nicht bekannt sein sollte, könnten eventuell mit dem Hinweis geködert werden, dass die an nostalgische Emo-Zeiten erinnernden Songs mit der zerbrechlichen Stimme von Tilman aka Tigeryouth gewürzt sind. Hach, insgesamt gibt es zehn Songs zu hören, die so klingen, als wären sie irgendwann Ende der Neunziger um die Jahrtausendwende herum entstanden. Bevor ihr jetzt denkt, dass so ein Sound anno 2020 total angestaubt klingen würde, kann ich euch beruhigen. Denn irgendwie ist man dann doch mit dem aktuellen Stand der Technik gegangen und hat auch ein paar zeitgenössische Einflüsse wie z.B. etwas Post-Rock in den Sound eingebaut. Zuckersüß und glockenklar tauchen warm flirrende Gitarren und ein entspannt relaxter Schlagzeugbeat auf, langsam spielt man sich in Extase! Dass es auch spannend bleibt, wenn es mal rein instrumental wird, kann man beispielsweise beim Song East nachhören. Aber mit Gesang wirkt die Musik halt nochmals eine ganze Schippe melancholischer! Um es mit ein paar Referenzen zu sagen: East bewegen sich irgendwo zwischen den Pfeilern Yamon Yamon, den Get Up Kids, Sometree, Penfold, Pale, American Football und einem dezenten Schuss frühen Hot Water Music. Ein absoluter Emo-Traum, dem man den Spaß und das Herz förmlich anmerkt! Tolles Album!

Montecharge – „Demons Or Someone Else“ (WOOAAARGH u.a.) [Stream]
Die Genfer Band Montecharge entstand eigentlich bereits im Jahr 2007 aus der Asche der Schweizer Grind/Death-Combo Amok, über die Jahre hinweg lief die Band eher so als Nebenprojekt. Zuerst als Duo, dann als Trio und auf Demons Or Someone Else letztendlich als Quartett. Montecharge machen einen ziemlich drückenden und aggressiven Sound, den sie teils mit technischen und experimentellen Spielereien anreichern. So entsteht ein Mischmasch aus chaotischem Hardcore, Post-Hardcore, Post-Metal, Sludge und Noise, das an Bands wie Converge, frühe Boy Sets Fire, Coilguns oder Old Man Gloom denken lässt. Obwohl das Album in erster Linie aggressiv wirkt, entwickelt sich dennoch immer wieder eine gespenstische Atmosphäre, die Songarrangements könnten kaum pfiffiger sein. Wenn ihr auf dichte Gitarrenwände, Störgeräusche, tolle Riffs, abgefahrene Drums und schön gebrüllte Vocals steht, dann dürfte das hier ein gefundenes Fressen für euch sein!

Origami Angel – „Somewhere City“ (Chatterbot Records) [Stream]
Auf Origami Angel wurde ich durch ein paar Videos auf Youtube aufmerksam, suchte dann logischerweise direkt auf Bandcamp nach der Band. Et voilá, die Band aus Washington DC hat doch tatsächlich vor ein paar Monaten ihr erstes Album veröffentlicht, davor sind drei EP’s erschienen. Bei Origami Angel handelt es sich um ein Duo, dass schmissigen Midwest-Emo im Stil von Bands wie Algernon Cadwallader, Tiny Moving Parts oder Modern Baseball macht. Und lustigerweise funktioniert das auf Platte ebenso geil wie bei einer Live-Show oder in den lustigen Videos der beiden. Man merkt hier einfach, dass die Jungs für ihre Sache brennen! Dementsprechend zünden sie einen catchy Song nach dem anderen. Die zehn Songs klingen schön aufgedreht, im Studio durfte natürlich noch ein Bass mit ran. Beim ersten Durchlauf weiß man ja noch nicht so genau, was in den Songs so alles passiert. Aber ich kann euch versprechen, dass es absolut abwechslungsreich und manchmal sogar ganz schön unvorhersehbar zugeht. Die Gitarren schleudern eine Hookline nach der anderen raus, dann twinkeln sie wieder wie verrückt, bis der Schlagzeuger seine fünf Minuten bekommt und total durchdreht. Und dann erst die Melodien, die hymnischen Refrains und der ins Ohr gehende Gesang! Ich bin hin und weg! Das Ding hier solltet ihr euch unbedingt mal anhören! Und das sogar zum Name Your Price Download!

Søren – „Kingdom“ (Mourning Records) [Name Your Price Download]
Die EP hat zwar schon über ein Jahr auf dem Buckel, manchmal braucht es halt seine Zeit, bis man coole Sachen beim Bandcamp-Surfausflug entdeckt! Bei Søren handelt es sich um eine Band aus New York und bereits beim Opener lauschte ich gebannt dem Intro zu Silhouette On Black, ohne dass ich jemals den Drang verspürte, zu skippen. Und genau dieser emotionale Songaufbau sorgt dafür, dass das nachfolgende Gebräu aus Post-Harcore, Screamo und Melodic Hardcore so intensiv wirkt! Ich liebe den Klang der Gitarren und den rauen Sound auf diesen Aufnahmen! Insgesamt bekommt ihr fünf Songs auf die Ohren, die mit wunderschönen Gitarrenspuren und kraftvollen Drums mit viel Crashbecken unterlegt sind. Dazu passt natürlich ein Sänger, der vorwiegend verzweifelt schreit, es kommen aber auch Spoken Words zum Einsatz. Müsst ihr unbedingt mal anchecken, zudem gibt es die Songs zum Name Your Price Download. Und wenn ihr schon dabei seid, dann checkt auch gleich noch die Bandcamp-Labelseite, bei der es ebenfalls etliche coole Bands zu entdecken gibt.

Tarr – „Selftitled“ (Time As A Color) [Stream]
Bei Tarr handelt es sich um eine relativ neue Band, deren Mitglieder in irgendwelchen Geisterstädten in Ostdeutschland zuhause sind. Entgegen dieser verschlafenen toten Winkel der ostdeutschen Provinz klingen die Debutaufnahmen des Trios recht kantig, unverbraucht und lebendig. Die Jungs haben schon in ’ner Latte an Bands gespielt, u.a. werden Idiot Savant, Audiocaeneat!, KŸHL, Mounter Re Doutier, Ixtab Maya, Rohlink, Kunst Am Scheideweg, Cantdorf Beach, MotorExitNine und Immurement genannt. Die sieben Songs bewegen sich irgendwo zwischen den Pfeilern Screamo, Post-Hardcore, Emocore, Hardcore, Punk, Post-Rock und etwas Metal. Die Gitarren kommen mal matschig verzerrt, mal schrammelnd und mal clean um die Ecke. Auch der Gesang pendelt zwischen verzweifeltem Geschrei und fast geheultem Klagegesang, dazu zünden die Drums ein Feuerwerk nach dem anderen, was sich durch mal kraftvolles, mal vertracktes und zurückgenommenem Drumming bemerkbar macht. Den Aufnahmen hört man die Spielfreude deutlich an! Mit Songlängen ab vier Minuten aufwärts bis hin zu über acht Minuten passiert so manche Überraschung innerhalb eines Songs. Und auch die Message in den Lyrics stimmt, hier wird gegen die kapitalistische Ausbeutung gewettert, andere ungesunde Entwicklungen wie Verschwörungstheorien, zunehmendem Rassismus und Sexismus werden ebenfalls angeprangert. Das Ding ist als Tape erschienen, am Release sind außer Time As A Color noch die Labels TraceInMaze Records, Callous Records und Broken Sounds beteiligt. Geiles Debut!

Vi Som Älskade Varandra Så Mycket – „Det onda. Det goda. Det vackra. Det fula.“ (Moment Of Collapse u.a.) [Stream]
Ein unglaubliches Wunderwerk von Album ist das neue Output der schwedischen Band Vi Som Älskade Varandra Så Mycket geworden. Bei einer 45 Minuten dauernden Spielzeit werdet ihr wie im Albumtitel versprochen auf eine ganz schön intensive Reise mitgenommen, auf der ihr das Böse, das Gute, das Schöne und das Hässliche in all seinen Farben und Ausführungen erfahren dürft und sicher mehrmals aus dem Staunen nicht mehr rauskommen werdet. Allein der Opener strotzt vor sprudelnden Songideen, es ist fast unbeschreiblich, was hier von der Band innerhalb von sechs Minuten abgezogen wird. Das nachfolgende Men livet går vidare mit seinem wahnsinnig melancholischen Eröffnungspart schlägt wie auch der Rest des Albums in die gleiche Kerbe! Die Band hat es einfach drauf, diese dichte Atmosphäre zu zaubern und dabei wie blöde zu berühren. Zentimeterhohe Gänsehaut ist jedenfalls vorprogrammiert, wenn Sänger Arvid zerbrechlich und wütend am Rande der Verzweiflung Rotz und Wasser heult. Auch wenn man der schwedischen Sprache nicht mächtig ist, ist hier ganz klar zu erkennen, dass da Musik mit Haut und Haaren gelebt und gefühlt wird. Die traumhaften Soundcapes strotzen nur so vor Drama und epischem Bühnenwerk, da fühlt man sich in der Tat mehr als einmal wie in einem grandiosen Kinofilm, eingelullt vom Dolby Surround! Mit Tränen in den Augen und das Taschentuch im Anschlag! Und würde die Musik allein nicht schon reichen, dürfte das Artwork gerade auf Vinyl ebenfalls grandios rauskommen, beim Digipack braucht man dann fast schon ’ne Lupe, um die ganzen Details zu entdecken. Jedenfalls ein gelungenes, schaurig schönes Meisterwerk!

 

20 Liter Yoghurt – „Always Trying To Fit “ (Seven Oaks Records/Underdog Records)

Steff Beans

Dass Hardcore More Than Music ist, gerät in den letzten Jahren bei vielen Bands leider ein bisschen in den Hintergrund. Deshalb ist es immer wieder schön, auf Bands zu treffen, die dem ganzen Ding mit Haut und Haaren verfallen sind. Dieser erste Eindruck, der bereits bei der Mailkonversation im Zuge der Besprechungsanfrage entstand, bestätigte sich dann auch prompt beim Eintreffen des liebevoll geschnürten Plattenpakets mitsamt dem darin enthaltenen persönlichen Begleitbrief. Da wird mir persönlich immer ganz warm ums Herz! Nun, 20 Liter Yoghurt kommen aus der sächsischen Provinz – genauer gesagt aus Grimma, der Partnerstadt meines ebenfalls provinziellen schwäbischen Heimatorts – und existieren seit dem Jahr 2015. In dieser Zeit haben die vier Jungs zwei EP’s in Eigenregie veröffentlicht und natürlich etliche Konzerte gezockt. Mit der Unterstützung der beiden DIY-Labels Seven Oaks Records und Underdog Records hatten die Jungs jetzt also die Möglichkeit, ihr Debutalbum auf Vinyl zu veröffentlichen. Und das Resultat kann sich mehr als sehen lassen!

Auf dem hübsch anzusehenden Cover stelzt ein Flamingo majestätisch durch flaches, seichtes Wasser. Es ist noch gar nicht so lange her, da konnte ich dank Klimawandel Flamingos in freier Wildbahn beobachten, diese koloniebildenden Tiere sind einfach faszinierend! Und irgendwie könnte man es fast schon als Tick bezeichnen: denn immer, wenn mir Flamingos vor Augen kommen, muss ich mit einer Mischung aus Entsetzen und Belustigung an John Waters kontroversen Film Pink Flamingos denken. Es ist jetzt vielleicht weit hergeholt, aber John Waters und auch speziell sein Charakterdarsteller Divine sind – beziehungsweise waren – Leute, die dem ständigen Versuch, sich der Gesellschaft anzupassen, ordentlich Paroli geboten haben. Ob hinter dem eigentlich schlichten aber wirkungsstarken Coverartwork von Druckwelle Design irgendeine Geschichte steckt? Dass 20 Liter Yoghurt eine Band ist, die sich sehr viele Gedanken macht, zeigt alleine das vierseitige Textblatt. Hier sind neben den englischen Texten zu jedem Song auch ausführliche Linernotes in deutscher und englischer Sprache enthalten. Sehr schön! Das findet man heutzutage wirklich selten! Dass die Texte sich dann im politischen und gesellschaftskritischen Bereich bewegen und auch mal ins persönliche gehen, rundet die ganze Sache ab! Die ganzen Hintergründe, Texte und linernotes sind auch für Leute ohne Plattenspieler  auf dieser Seite im Netz nachzulesen.

Und dann ist da ja auch noch die Musik, die vom ersten Ton an absolut mitreißen kann! 20 Liter Yoghurt vermischen Hardcore, Punk, Post-Hardcore, Melodic Hardcore und etwas Screamo und sogar Noise-Einflüsse zu einem stimmigen und lebhaften Gebräu, bei dem man merkt, dass es straight from the heart kommt. Und genau da trifft es mich dann auch gewaltig! Die Songs leben von unbändiger Spielfreude, man kann sich bildlich vorstellen, wie so ’ne 20 Lite Yoghurt-Bandprobe aussieht! Einer bringt völlig aus dem Häuschen ein Riff mit, das er schon seit Tagen in Dauerschleife spielt, die anderen stimmen drauf ein und bauen was drum herum, der Schlagzeuger haut auf die Felle und die Crashbecken, dass die Schädeldecke vibriert, alle grinsen wie blöde vor sich hin und am Ende kommt ein grooviger Song wie z.B. Everyone heraus. Diese Wildheit und das Kämpferische spürt man an allen Ecken und Enden, Glass Jars z.B. ist auch so eine Granate! Die Faust geht bei Songs wie beim nachfolgende Contradictions oder beim Tapping Your Shoulders automatisch in die Höhe, genial auch die immer wieder einsetzenden Background-Gangshouts! Was mir an den Aufnahmen gefällt, ist der raue Unterton und das energiegeladene Live-Feeling, das aus den Lautsprechern suppt. Für’s Mastering war mal wieder die Tonmeisterei zuständig. Always Trying To Fit wird auch nach mehrmaligen Durchläufen nicht langweilig, im Gegenteil! Das Album wächst jedesmal noch ein bisschen und der Appetit, die Band mal live zu sehen, wird mit jeder weiteren Runde größer. Müsst ihr unbedingt mal anchecken!

8/10

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