Show Review: Leoniden & Kids N Cats am 17.11.2018 im Carinisaal/Lustenau (A)


Eine ständig wachsende Fangemeinde, unzählige Videoplays, zwei verpasste Konzerte in der näheren Umgebung, bereits jetzt schon ausverkaufte 2019er-Termine und natürlich das sagenhaft gute aktuelle Album waren Grund genug, die Leoniden endlich mal live zu begutachten. Die gerade aufgelisteten Warnzeichen könnten vermutlich ausschlaggebend dafür sein, dass die Zeiten, in welchen man die Band noch im kleinen Rahmen bzw. bei Clubshows erleben kann, wohl ziemlich bald schon vorbei sein werden. Eine Woche vor’m Konzert bekam ich dann doch Muffensausen, ob es beim gewünschten Termin überhaupt eine Abendkasse geben würde, denn die meisten Shows der laufenden Tour waren zu diesem Zeitpunkt bereits ausverkauft. Also, dann lieber auf Nummer sicher gehen und schnell mal die eh viel zu wenig genutzten Möglichkeiten eines Gästelistenplatzes abchecken! Und natürlich in sparsam schwäbischer Entenklemmerei auch noch einen Platz für die Liebste abstauben! Obwohl mein Organisiationstalent doch eher zu wünschen übrig lässt, war sogar die Kinderbetreuung für den abendlichen Ausflug geklärt, die Reise ins österreichische Lustenau wurde in Angriff genommen. Bei sternenklarer Nacht mit Minusgraden standen wir pünktlich bei Türöffnung mit einer Traube an bibbernden und frierenden Menschen vor’m Carinisaal.

Keine Ahnung, ob es noch Karten an der Abendkasse gab, der kleine und kuschelig warme Club war jedenfalls in kürzester Zeit rappelvoll. Dabei fiel mir der hohe Frauenanteil unter den Anwesenden auf. Da ich seit den Neunzigern auf so gut wie keinem Indie-Konzert mehr war, wunderte ich mich dann doch etwas an den seltsamen Klamotten. Hab ich da was verpasst? Trägt man auf Indie-Konzerten keine Bandshirts mehr? Bei reinen HC/Punk-Shows ist das irgendwie anders. Nun, anstelle der Bandshirts konnten an diesem Abend Klamotten bestaunt werden, vor denen man sich bereits in den 80ern gruselte. Mit Hochwasser-Cordhosen, die fast bis Unterkante Kinn reichen, hatte man seinerzeit auf dem Schulhof gute Aussichten auf eine ordentliche Abreibung. Auch irgendwie abgefahren: einzelne Bandmitglieder der Leoniden wurden beim Gang durch’s Publikum von mehreren jüngeren weiblichen Fans abgefangen und zu einem gemeinsamen Foto genötigt. Am meisten traf es natürlich Sänger Jakob Amr, der aber immer freundlich und höflich in die Kamera grinste. Das nimmt ja fast schon Auswüchse wie bei einer Bravo-Boyband an!

Dass Klamotten nur zweitrangig sind, konnte man eindrucksvoll beim Support-Act Kids n Cats beobachten. Da ich die Band aus Wien bisher nicht kannte, hörte ich im Vorfeld mal ins Material des Quartetts rein. Irgendwie sagte mir die bizarre Mischung aus Hiphop, Electro, Indie und Weird-Pop aber nicht so zu, weshalb ich keine allzu großen Erwartungen an den Auftritt der Band hatte. Nun, so kann man sich täuschen! Zu Beginn lagen die vier Musiker erstmal geschlagene fünf Minuten auf der Bühne, alle einheitlich in schlabberige weiße Klamotten gehüllt, die an eine Mischung aus Pyjama, Judo-Mantel und Zwangsjacke erinnerten, dazu bemalte Gesichter. Dann wachte die Band abrupt auf, rieb sich den Schlaf aus den Augen und startete direkt mit ihrer Show – und zwar mit einem ordentlichen Schuss Post-Punk und einer abgefahrenen Performance. V.a. Sängerin Jeanne Drach verrenkte sich, hüpfte ungehalten durch die Gegend und tanzte wie ein wildgewordenes Rumpelstilzchen um das Feuer. Wie ich nachträglich erfuhr, bestreitet die Dame ihren Lebensunterhalt u.a. als Puppenspielerin. Auch der Rest der Band wirbelte ordentlich Staub auf. Die Bassistin, der Gitarrist und sogar der Drummer halfen stimmlich bei den Refrains mit, letzterer kommunizierte sogar öfters mit dem Publikum. Zwischen den Songs gab es Erklärungen zu den in französischer, spanischer und englischer Sprache vorgetragenen Texten. Größtenteils haben diese feministische Inhalte und drehen sich um Themen wie Gender und Selbstverwirklichung. Die Ansage, dass man/frau sich von der Fremdbestimmung innerhalb der Gesellschaft lösen und Träume verwirklichen soll, wird dem Bühnen- und Erscheinungsbild der Band mehr als gerecht. Denn dass hier eine Menge Herzblut und Leidenschaft dabei ist, hat dieser Auftritt deutlich vermittelt. Schön auch, wie immer wieder das Publikum in die Performance mit einbezogen wurde. Bei einem Song durften z.B. verschiedene Leute aus dem Publikum Tierlaute beisteuern, die anschließend geloopt in einen Song einflossen und für einige Lacher sorgten. Fazit: kurzweiliger Auftritt, äußerst sympathische Band, läuft sicher bald auf FM4 (falls nicht schon längst geschehen). Checkt mal ein paar Videos der Band an, die sind durch die Bank alle zu empfehlen! Kids n Cats ließen übrigens bei Beendigung ihres Sets noch verlauten, dass die Leoniden angekündigt hätten, den Laden heute Abend gründlich zu zerlegen. Solche Aussagen sind manchmal gefährlich, da sie die Erwartungen des Publikums ins unermessliche steigern.

Nun, nach einer kurzen Umbaupause, in welcher die Leoniden persönlich Hand anlegten und erstmal routiniert Ordnung auf der Bühne schafften (es lagen wirklich keine Stolperfallen mehr auf der Bühne rum), starteten die Jungs mit dem Song Colourless und einer unglaublichen Power, die ab dem ersten Ton fesselte. Ich behaupte mit reinem Gewissen, dass der Funke zwischen Band und Publikum in den ersten zehn Sekunden übergesprungen ist und das Feuer über die Gesamtspielzeit von 90 Minuten lichterloh brennen ließ. Der absolute Wahnsinn! Auffallend war der bestens abgemischte glasklare Sound, da war echt jedes Instrument und jeder Ton perfekt zu hören. Und diese energiegeladene Bühnenshow: die komplette Band permanent in Bewegung, als ob sich die Jungs unentwegt gegenseitig zur Höchstleistung anstacheln würden, als ob von diesem einen Auftritt Leben und Tod abhängen würde. Wie man als Sänger bei so einer körperlichen Leistung auch noch jeden Ton treffen kann, wird mir ein ewiges Rätsel bleiben. Und obwohl man sofort wild das Tanzbein schwingen will, ist man vom Anblick der Band fasziniert und kann den Blick gar nicht von der Bühne abwenden. Diese Typen haben so viel Freude an ihrer Musik, das kann man gar nicht in Worte fassen, das muss man gesehen haben! Die wollen einfach nur wie ein paar durchgedrehte Irre ihre Mucke machen und dabei maximal Spaß und Freude haben.

Aufgeputscht durch die eigene Musik, pures Adrenalin! Nach dem dritten Song bereits so zu schwitzen, dass selbst ein Handtuch nicht mehr allzuviel bringt, sagt einiges über die Ernsthaftigkeit einer Band aus. Es machte einfach tierisch gute Laune, diese vor impulsiver Leidenschaft und literweise Herzblut strotzende Band bei dem zu beobachten, was sie da auf der Bühne veranstaltete. Die grinsenden Gesichter der perfekt aufeinander eingespielten Musiker erzeugten zusammen mit den aus beiden Alben gespielten Hits und einer unaufdringlichen Lightshow auch in den Reihen des Publikums für zufrieden grinsende Gesichter. Gerade live bemerkt man den massiven HC/Punk-Background der Jungs. Der Gitarrist hat in ein paar Jahren sicher kaputte Knie, diese Kniefall-Beugen können absolut nicht gesund sein. Vielleicht erwürgt er sich aber auch vorher mit dem Gitarrengurt oder haut sich die Gitarre beim Balancieren auf dem Kopf gegen die Rübe. Und ja, an der Zerlegung des Carinisaals wurde weiter gearbeitet, einfach mal die Gitarre hüpfend gegen die niedrige Decke knallen, so dass der Putz rieselt!

Eine ausgeklügelte Idee ist auch der Bühnenaufbau der Leoniden, die zwei Keyboards/Midi-Controller sind so aufgebaut, dass sich Keyboarder Djamin und Sänger Jakob angrinsen können und dabei auch noch ständig die Plätze wechseln, so dass neben der Bewegung auf der Bühne auch mal jeder im Publikum die Chance hat, die zwei beim Paarungstanz frontal zu sehen. Und obwohl so viel Equipment rumsteht, ist trotzdem noch reichlich Platz für die coolen Moves des Bassisten. Zwischen den Songs kommunizierte die Band ausgiebig mit dem Publikum, welchem sogar wiederholt großer Dank ausgesprochen wurde. Das neue Album war zu der Zeit erst 22 Tage draußen, da darf man sich als Band dann auch mal an der Textsicherheit des Publikums freuen! Sehr sympathisch! Überhaupt legten die Jungs einen großen Wert auf Publikumsnähe, Sänger Jakob nahm ein paar sehr ausgiebige Bäder im Publikum. Zu einem dieser Ausflüge nahm er dann sogar sein Kuhglocken-Drumset mit, das er während des Auftritts mehrmals wie ein Irrer bearbeitete, einmal sogar über den Köpfen des Publikums in der Mitte des Saals. Zudem forderte er das Publikum wiederholt dazu auf, nach der Show doch noch ein bisschen zusammen abzuhängen und zu plaudern. Da wir ja noch ein Stückchen Heimfahrt vor uns hatten und zufällig in dieser sternenklaren Nacht mit dem Höhepunkt des Leonidenstroms zu rechnen war (kein Witz!), verließen wir in der Hoffnung auf ein paar Sternschnuppen nach den drei Zugaben glücklich und voller Adrenalin den Ort des Geschehens. Ich muss nicht erwähnen, dass sich auf der Heimfahrt keine Sternschnuppe blicken ließ, aber nach einem solch hammermäßigen Konzert ist das letztendlich auch ziemlich schnuppe!

Kids N Cats Facebook / Leoniden Facebook


 

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Leoniden – „Again“ (Two Piece Signs)

Mit ihrem sebstbetitelten Debütalbum konnte die Kieler Band ja bereits etliche Indierock-Fans begeistern, die Leoniden wurden daher im Jahr 2017 als Newcomer in den höchsten Tönen gelobt. Dabei wurde gern übersehen, dass die Leoniden seit ihrer Gründung als Schülerband mittlerweile auch schon bald zehn Jahre auf dem Buckel haben, lediglich Sänger Jakob Amr ist erst im Jahr 2014 zur Band gestoßen. Bis das Debütalbum 2017 dann endlich erscheinen konnte, zogen auch noch zwei weitere Jahre ins Land. Mit diesem Hintergrundwissen ausgestattet stört es deshalb gar nicht, dass die Band innerhalb kürzester Zeit – wir sprechen von gerade mal eineinhalb Jahren Abstand – das zweite Album rauskickt. Und das auch noch, obwohl die Band nach dem 2017er-Release quasi jedes Konzert mitnahm, das sie kriegen konnte. Wenn es gut läuft, dann muss man einfach vollen Einsatz zeigen.

Obwohl mir das Album und die vorangegangene EP sehr gut mundete, schaffte ich es bei der letzten Tour leider nicht, einen Blick auf die Jungs zu werfen. Laut Augenzeugen war das Konzert in Ulm und auch ein Auftritt bei einem Festival in Lustenau außergewöhnlich gut. Tja, Chance verpasst, selbst schuld! Kommen wir aber mal endlich zum musikalischen Inhalt von Again. Zehn Songs sind hier in etwas knapp über einer halben Stunde zu hören. Und bereits beim ersten Durchlauf wird klar, dass die Hitdichte erneut an der Obergrenze liegt. Dazu darf man bei jedem weiteren Durchgang staunen, wie viele Töne aus den verschiedensten Quellen miteinander zu dieser homogenen Einheit zusammenschmelzen, ohne dass das Ganze auch nur ansatzweise konstruiert wirkt. Das klingt so lebendig, pulsierend und frisch! Da haben die Jungs sicher konzentriert dran gefeilt, womöglich wurde bei den Aufnahmen wie auf einem orientalischen Bazar um jeden einzelnen Ton gefeilscht. Das Grundgerüst der Songs besteht ganz klar aus Gitarre, Schlagzeug, Synthies und einem unschlagbar smoothen Bass, dabei wundert man sich immer wieder über die stimmliche Bandbreite von Sänger Jakob. Der Typ hat mal ein richtig gutes Organ, da kommt pure Emotion rüber. An manchen Stellen meint man fast, man hätte gerade den Geist von Michael Jackson erblickt. Hört mal in den dritten Song Alone rein, da sind auch die besseren Songs von Justin Timberlake nicht weit, wenn auch hier tausendmal mehr Herzblut, Leidenschaft und Inhalt drin steckt! Denn auch die Lyrics beschäftigen sich mit tiefgründigeren Dingen wie z.B. Angst, Selbstzweifel und Depressionen.

Das bereits erwähnte Grundgerüst, das durchaus eine gesunde Rock-Kante besitzt, wird durch etliche Töne komplettiert. Im Verlauf des Albums fügen sich Handclaps, Streicher, Chöre/Frauenchöre, Elektro-Spielereien und Kuhglocken-Drums gekonnt in den Gesamtsound ein, so dass dem Ganzen eine ordentliche Pop-Note anhaftet. Die smoothen Grooves klingen jedenfalls auf der heimischen Stereoanlage sehr tanzbar und funky. Das macht definitiv Lust, die Band endlich mal live zu sehen! Und Vorsicht, Spoiler: in Bälde gibt’s hier ein kleines Review zur Show in Lustenau/Österreich zu lesen. Checkt Again unbedingt mal an, das Album ist so gelungen, dass es vermutlich bald an der Spitze der deutschen Indie-Charts stehen wird.

9/10

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City Light Thief – „Nothing Is Simple“ (midsummer records)

Für manche von euch ist dieses Album wahrscheinlich bereits ein alter Hut. Denn bevor man das mittlerweile dritte Album der sympathischen Kölner Band City Light Thief auch tatsächlich auf Vinyl oder auch auf einer physischen CD in den Händen halten konnte, war das Ding bereits seit einiger Zeit digital verfügbar. Die Band ging dabei völlig neue Wege, denn Nothing Is Simple wurde wenige Stunden nach der Fertigstellung online gestellt. Einfach mal dem nervigen Warten auf einen Veröffentlichungstermin ein Schnippchen schlagen! Die Ernte direkt einfahren und frisch genießen! Positiver Nebeneffekt: ohne die lästige Anspannung – Vorfreude, Enthusiasmus und Zweifel inklusive – dürften die Jungs mit der unmittelbaren Reaktion und den Rückmeldungen von begeisterten Fans auf die Songs sicher einige schlaflose Nächte weniger gehabt haben. LIY – Leak It Yourself – sozusagen!

Und dass diese Vorgehensweise aufgegangen ist, kann man an den vielen Vorbestellungen und der inzwischen ausverkauften Erstpressung sehen. Zudem lockten natürlich die Gimmicks, die der Vorbestellung beilagen. Zum einen war das ein Teil des Akkordeons, welches man auf dem vorangegangenen Album hören konnte, zum anderen wurde eine Platine beigelegt, mit der man sich mithilfe von nötigem technischem Knowhow den auf Nothing Is Simple eindrucksvoll klingenden Gitarreneffekt Overdrive nachbauen konnte. Geil, oder? Allerdings sollte man beim Einbau den weisen Ratschlag im Albumtitel beherzigen. Nichts ist einfach! Also, bevor ihr eure Amps durch Bastelei lahm legt und womöglich noch ’nen Stromschlag abbekommt, holt euch lieber den technischen Beistand eines Gitarrenamp-Nerds! Bitte macht das nicht selbst, nachdem ihr nach einer Anleitung auf Youtube glaubt, dass ihr das hinbekommen könntet. Das wird sonst böse enden (ich denke dabei an die einfach aussehende Montage eines Wasserhahns und den durch eigenen unprofessionellen Pfusch entstandenen Wasserschaden im Mauerwerk).

Dass es hier kein zeitnahes Review im Frühling zu lesen gab, hat mehrere Gründe: erstens hinke ich sowieso mit dem ganzen Kram hinterher und zweitens tu ich mir mit physischen Tonträgern eh leichter. Denn neben dem musikalischen Inhalt betrachte ich auch gerne ausgiebig das Coverartwork, rieche am Booklet und stöbere in den Texten. Und ja, das Artwork gefällt mir sehr gut, hier ist eine technische Zeichnung eines Klaviers zu sehen. Jeder, der schon mal einen Ikea-Schrank zusammengebaut hat weiß, dass man selbst dafür fast schon ein Studium braucht. Der Zusammenbau dieses Klaviers ist garantiert noch um Längen komplizierter! Womit wir wieder beim Albumtitel wären.

Aber jetzt endlich mal zur Musik! Die Songlängen der elf Songs pendeln sich so auf durchschnittlichen vier Minuten ein, insgesamt gibt das eine Spielzeit von etwas knapp über 46 Minuten. Und in jedem einzelnen Song passiert in dieser Zeit echt mal viel Spannendes, Langeweile kommt hier sicher zu keiner Zeit auf. Der Opener fetzt schön vertrackt und wild los, hier wird viel mit Groove und Melodie gearbeitet, dazu gesellen sich experimentelle Spielereien. Und dann dieser Mittelteil, der durch diese verspielte Leichtigkeit zum Leben erwacht und man beim Hören das Gefühl hat, von einem frühen Sonnenstrahl Anfang Mai an den Nasenhärchen gekitzelt zu werden. Kann man eigentlich nicht beschreiben, muss man erleben! Die Balance zwischen laut und leise könnte nicht spannungsgeladener umgesetzt sein, dazu verzücken die Gitarren immer wieder mit Melodien, die man am liebsten gleich selbst auf der Gitarre auschecken würde (wenn man’s denn könnte…). Zwischen sich noisig aufbauenden Post-Rock-Gitarren (Fatigue), den melancholischen Midwest-Emo-Gitarren (Anfang von Somersault) bis hin zum zwirbelnden Gitarrenmassaker und Screamo-Vocals (Infinity Loop) freut man sich in jeder Phase, in der sich die Band gerade befindet. Und dann sind da noch die hymnischen Momente wie z.B. bei Body Horror. Ihr seht schon, das kann zwischen Chaos und Leidenschaft ziemlich facettenreich sein. Obendrauf gesellen sich tolle und durchaus eigenständige Bass-Parts, die sich aber dennoch in den Gesamtsound einfügen.

Die persönlichen Texte sind übrigens mit selbstkritischen Gedankenzügen und gesellschaftskritischen Beobachtungen angereichert. Mit Köpfchen aus dem Leben gegriffen, sozusagen. Weitere Soundspielereien (z.B. mit Keyboards) entdeckt man bei jedem neuen Durchlauf. Wow! Wenn ihr verschachtelten Sound mögt, der dazu noch mit jeder Hörrunde eingängiger wird, dann solltet ihr diese Jungs hier unterstützen. Zu dumm, dass ich leider verhindert war, als die Kölner neulich eine Autostunde entfernt vor ein paar wenigen Leuten in Ulm auftraten. Befreundete Augenzeugen waren trotz der geringen Besucherzahlen hellauf begeistert! Tja, selbst schuld! Jedesmal, wenn ich diese Songs hier höre, beiß ich mir erneut in den Hintern! Ein zeitloses, durchaus mächtiges Album!

9/10

Facebook / Homepage / Video / Midsummer Records

Island – „Feels Like Air“ (frenchkiss records)

Auf dem Cover der 12inch schwebt ein Typ im freien Fall durch die Lüfte, er hat sozusagen den Boden unter den Füßen verloren. Wie schnell so etwas mal passieren kann, wissen nicht nur die Leute, die sich in der Musikszene Londons als ernstzunehmende Musiker behaupten wollen. Nirgendwo anders ist der Konkurrenzkampf unter Musikern härter als in der britischen Metropole. Wenn man sich dann auch noch mit Britpop über die Runden schlagen will, der ja nach den Nullerjahren nicht mehr so richtig aus seinem Loch gekrochen ist, dann hat man es doppelt so schwer. Die vier aufstrebenden Boys haben bereits zwei EPs veröffentlicht, die wohl breiteren Anklang fanden und in diversen Kreisen hochgelobt wurden. Nun, in der Sache bin zumindest ich komplett unvorbelastet, mit dem Debütalbum Feels Like Air erfahre ich erstmals von der Existenz der Band.

Die Gitarren simulieren zu Beginn so etwas wie einen freien Fall. Unbekümmert schweben sie durch die Lüfte, dabei schwingt ein großer Batzen Melancholie mit. Diese Melancholie tritt noch mehr in den Vordergrund, als erstmals der rauchige Gesang einsetzt. Und ja, Feels Like Air kann in seiner Gesamtheit richtig durchdringen und berühren. Gerade auf Vinyl entsteht da eine ganz intime Stimmung. Und obwohl die Band sehr reduziert unterwegs ist, entwickeln die Songs Tiefe und Atmosphäre. Einzelne Töne wabern durch den Raum, die Gitarre flirrt ein paar Töne, das Schlagzeug begleitet unauffällig aber dennoch prägnant. Die kristallklare Produktion lässt das alles nur noch stärker wirken. Die delaylastigen Reverb-Gitarren klingen fast magisch, der reduzierte Sound zieht einen richtig in den Bann. Und über allem schwebt dieser ausdruckstarke und melancholische Gesang! Das klingt so vertraut und doch so anders.

Hätte niemals gedacht, dass mich ’ne Britpop-Band 2018 noch packen könnte, aber Island klingen äußerst vielversprechend. Wo Bands wie The Kooks in die Langeweile abdriften, legen Island noch eine Schippe Spannung und Melancholie drauf, da hat man dann so Zeugs wie Héroes del Silencio, Chris Isaak oder die deutschen Indie-Electro-Dream-Popper Wyoming im Ohr. Songs wie Ride, Try oder The Day I Die gehen sofort ins Ohr, während andere Stücke wie z.B. auch das Titelstück wiederum etwas länger brauchen, dafür aber umso intensiver einschlagen. Wenn ihr euch also mal wieder richtig gut gemachten, emotionalen Indie-Rock/Britpop reinpfeifen wollt, dann kann euch dieses Album nur wärmstens empfohlen werden!

8/10

Facebook / Bandcamp / frenchkiss records


 

Bandsalat: Alias Caylon, Braunkohlebagger, Fiddlehead, Lygo, Lysistrata, The Pariah, Svalbard, We Were Promised Jetpacks

Alias Caylon – „Where There Be No Land“ (Gunner Records) [Stream]
Die Flensburger sind ja jetzt auch schon richtig lange unterwegs, mittlerweile sind sie im 17. Bandjahr, davor spielten einige Bandmitglieder ja in der Punkband Bad Habits. Keine Ahnung, waren Alias Caylon in der Zwischenzeit irgendwie von der Bildfläche verschwunden? Seit dem letzten Album sind jedenfalls satte neun Jahre verstrichen. Die Zeit rast halt so schnell! Kann mich noch gut an eine Show der Band zusammen mit Trip Fontaine erinnern, schon damals fand ich den Sound ziemlich ansprechend, das charismatische Auftreten des Sängers blieb auch positiv hängen. Und Alias Caylon sind sich treu geblieben, Where There Be No Land ist übrigens das mittlerweile dritte Album und im direkten Vergleich mit den beiden anderen Alben haben sie hier die Experimentierfreude neu für sich entdeckt. Angesichts des ausgetüftelten Sounds kann ich mir nicht vorstellen, dass die Jungs in den letzten neun Jahren gänzlich inaktiv waren. Insgesamt bekommt ihr zehn Songs mit einer Spielzeit von etwas knapp über 46 Minuten auf die Ohren. Und trotz dieser Länge kommt keine Langeweile auf, da der Sound sehr vielschichtig und eigenständig ist. Da wird mit einer Leichtigkeit Post-Hardcore mit Emo gekreuzt, rasanter Skatepunk trifft auf atmosphärische und fast schon epische Momente, manchmal wird es dann auch schon mal experimentierfreudig und progressiv. Und natürlich ragt der Gesang besonders heraus. Where There Be No Land hat alles, was man sich von einer abwechslungsreichen Platte wünscht: Laut, leise, Melancholie, Drama, Wut, Drive, Groove, Spannung, Melodie, Leben, Energie, Spielfreude und noch so einiges mehr. Überzeugt euch selbst und holt euch das Ding!


Braunkohlebagger – „Abbruch“ (DIY) [Name Your Price Download]
Bei Braunkohlebagger handelt es sich um eine ziemlich neue Band aus Essen, die sich aus Mitgliedern der Bands December Youth, Leitkegel und Depart zusammensetzt. Wer jetzt vermutet, dass die Band irgendwo in ähnlichen Soundschichten baggert, der hat die falsche Grube anvisiert. Bereits beim Opener Endlosschleife bekommt man aufgrund des Intros schonmal glänzende Augen. Das Ding hämmert los und groovt wie Sau, dabei hat man zu Beginn so ein gewisses New Noise-Feeling und muss unweigerlich an Refused denken. Wow! Hier wird Post-Hardcore vom Feinsten geboten, dazu kommen deutsche Texte mit Köpfchen. Gerade die Gitarren sind herausragend gespielt, da wird ziemlich breit in verschiedenen Genres gewildert. Mal kommen sie mit viel Drive grungig und dreckig aus den Lautsprechern, dann wird’s wieder melodischer Richtung Hardcore, Punk und Emo und ab und zu gibt es sogar noch Prog-rockige Töne zu hören. Der Gesang pendelt zwischen Cleangesang und heiserem, intensivem Geschrei. Beim Song Ameisenhaufen kommt dann noch anklagender Sprechgesang dazu, da waren sicher Rage Against The Machine/Inside Out die Vorbilder. Bei allen fünf Stücken hört man jedenfalls deutlich die Spielfreude der fünf Jungs heraus. In den gesellschaftskritischen und persönlichen Texten geht’s z.B. um Konsumwahn, Eifersucht, Werteverfall, selbst das Gladbecker Geiseldrama wird zum Thema gemacht. Mit einer Spielzeit von 16 Minuten wird es jedenfalls verdammt kurzweilig, da packt man sich die Songs gern in die Endlosschleife! Ach ja, zum angucken wurde auch noch was gebastelt: das Video zu Endlosschleife. Die EP erscheint aufgrund fehlender finanzieller Mittel erstmal nur in Eigenregie digital. Schade, vielleicht finden die Jungs ja bald ein Label, ich würde es ihnen und mir wünschen! Braunkohlebagger rocken, aber Hambi muss bleiben!


Fiddlehead – „Springtime And Blind“ (Run For Cover) [Stream]
Nach der 2015er EP Out Of The Bloom hat die Bostoner Band Fiddlehead mit Springtime And Blind ein Debutalbum am Start, das ihr euch unbedingt anhören solltet. Die zehn Songs ziehen ab der ersten Sekunde in den Bann und lassen Dich erst wieder mit dem Ausklang des letzten Stücks Window In The Sunlight aufwachen. Nur deshalb, um erneut auf Play zu drücken. Wahnsinn, was für ein emotionales, intensives Album! Die Gitarren kommen auf der einen Seite schön melancholisch rüber, auf der anderen Seite schwingt auch immer so eine gewisse Hoffnung mit. Dazu passt der satte Bass-Sound, die raue Produktion und der verletzlich eindringliche Gesang. Wenn man sich näher mit den Texten beschäftigt, geht es auch dort sehr intensiv, persönlich und emotional zur Sache. Diese befassen sich mit den Themen Liebe und Verlust. Der Tod eines geliebten Menschen kann einen ziemlich aus der Bahn werfen. Auf Springtime And Blind verarbeitet Sänger Patrick Flynn den Tod seines Vaters, die damit verbundene Trauer und die Erinnerungen an vergangene Tage. Schonungslos! Dazu gibt’s rauen Emocore, der wahnsinnig melodisch ist und einfach tief im Herzen berührt! Das ist mal wieder eines dieser Alben, das das Zeug zum Meilenstein hat! Ach so, fast vergessen: die Band setzt sich aus Mitgliedern der Bands Basement und Have Heart zusammen. Dürft ihr ja nicht verpassen!


Lygo – „Schwerkraft“ (Kidnap Music) [Videos]
Als ich seinerzeit aufgrund des Videos zum Song Störche mit der Band erstmals in Kontakt trat, dauerte es nicht lange, bis das damals selbstreleaste Album Sturzflug zwecks Rezi im Briefkasten lag. Schon damals attestierte ich den drei Jungs aus der Betonstadt Bonn eine vielversprechende Laufbahn in der deutschsprachigen Punkszene. Und jetzt, vier Jahre später, liegt also mit Schwerkraft Album Nummer zwei vor. Zwischenzeitlich konnte ich mich auch schon von den Livequalitäten des Trios überzeugen. Die Spielfreude und Leidenschaft, die man auch auf Schwerkraft hören kann, kommt nicht von ungefähr. Das kann sicher jeder bestätigen, der die Band auch schon live sehen durfte. Habt ihr dabei auch alle schön ein paar Live-Ausschnitte mit eurem Smartphone gefilmt und es gleich über eure Social Media-Profile geteilt? Ich hoffe doch, dass eure Smartphones früher oder später mal bei solchen Aktionen mit der Schwerkraft Bekanntschaft machen. Warum? Nun, die Schwerkraft bewirkt ja auf der Erde, dass alle Körper nach unten zum Erdmittelpunkt hin fallen. Lasst deshalb lieber euer Smartphone stecken und testet die Schwerkraft, indem ihr auf und ab oder von der Bühne hüpft. Wenn ich Leute sehe, die nur auf ihr Display glotzen und dadurch die Band auf der Bühne verpassen, dann möchte ich am liebsten hingehn und kräftig durchschütteln. Diesen Job übernehmen auf Schwerkraft die drei Bonner. Zwölf Songs in knapp 35 Minuten rütteln Dich aus Deinem festgefahrenen Wachkoma, textlich wie musikalisch! Die Gitarren schrammeln, was das Zeug hält, der Schreihals-Gesang ist rau gegrölt, dennoch sind die Texte deutlich zu verstehen, der Bass poltert wie wahnsinnig. Und wie prophezeit dürften Lygo mit diesem Release ein weiteres Treppchen in der deutschsprachigen Punkszene aufgestiegen sein, so dass sie in einer Liga mit Bands wie Captain Planet, Love A oder Hey Ruin spielen! Zur Einstimmung solltet ihr mal die Videos zu den Songs Schraubzwinge, Festgefahren und Nervenbündel anchecken.

Lysistrata – „The Thread“ (Vicious Circle) [Stream]
Wahnsinn! Das Album ist bereits letztes Jahr in Frankreich erschienen, so dass man sich angesichts dieses Hammerteils eigentlich wundert, warum die Band hier in Deutschland nur in absoluten Insider-Kreisen bekannt ist. Glücklicherweise ändert sich dies ja jetzt. Wer die sieben Songs des Debutalbums des Trios erstmals hört, dem bleibt unweigerlich die Spucke weg! Verdammt, was machen die für einen energiegeladenen, unberechenbaren, explosiven, ideenreichen und mitreißenden Sound? Die drei Freunde aus Südfrankreich sind mit ihren zwanzig Jahren noch blutjung, wie können die in dem Alter schon so gut abgehen? Wenn ihr wissen wollt, wie technisch anspruchsvoller und vor Spielfreude fast überschnappender Post-Hardcore zu klingen hat, dann zieht euch das hier rein! Das hier ist das Album, das At The Drive-In anläßlich ihrer Reunion gern geschrieben hätten! Und ja, dazu muss man wirklich nicht viel schreiben, hier spricht die Musik! Und das mit einer Portion Wucht, die euch alles andere für den Moment vergessen lässt!


The Pariah – „No Truth“ (Redfield Records) [Stream]
Die Band aus Bottrop machte ja bereits mit der 2016er-EP Divided By Choice auf sich aufmerksam, so dass etliche Live-Shows folgen konnten. So konnten die Jungs z.B. ihre Livequalitäten im Vorprogramm von Bands wie Shai Hulud, Landscapes, Being As An Ocean, Hundredth oder Counterparts beweisen. Nun ist die Frage, ob die Band es auch auf Albumlänge schafft, in den Bann zu ziehen. Auf dem Debutalbum No Truth sind insgesamt elf Songs mit einer Spielzeit von 33 Minuten zu hören. Die Gitarren kommen sauber und scharf aus den Lautsprechern geschossen, dabei gefallen auch die immer wieder melancholischen Einschübe. Insgesamt gesehen bekommt ihr mitreißenden Melodic Hardcore, der mal gut nach vorne geht und aber auch hin und wieder inne hält. Schön abwechslungsreich, hier und da mal ein Break, ein gelungener Midtempo-Part der zum moshen einlädt, schöne Mitgröhl-Refrains und treibende, kraftvoll gespielte Drums. Dazu ein Sänger, der all seine Leidenschaft herausbrüllt. Die Texte setzen sich – wie der Albumtitel schon verrät – mit dem Thema Wahrheit auseinander. Hier wird hinterfragt, wie genau es denn nun mit der Wahrheit innerhalb unserer Gesellschaft steht. Wie oft werden Tatsachen verdreht, wie oft wird man von geliebten Personen ins Gesicht angelogen, passend dazu auch das geniale Covermotiv. Hab lange niemanden mehr gesehen, der einen Eid, ein Versprechen oder Schwur mit dieser Geste aufzuheben versucht. Im Normalfall machen das ja vorwiegend Kinder, um auch ihr schlechtes Gewissen etwas zu entlasten. Wär doch lustig, wenn man diese Geste wieder einführen könnte, dann wüsste man gleich, wer es gut mit einem meint. Jedenfalls bekommt ihr auf No Truth ein schönes Melodic Hardcore-Brett, das bis ins Detail ausgefeilt wurde, so dass auch auf Albumlänge keine Langeweile aufkommt.


Svalbard – „It’s Hard To Have Hope“ (Holy Roar) [Stream]
Über Svalbard muss man eigentlich gar nicht mehr allzuviel sagen. Dass die Band ohne Zweifel spannend ist, davon kann man sich auf dem neuen Longplayer der britischen Band mal wieder voll und ganz überzeugen. Ein Brett von der Produktion her, die Gitarren überfahren Dich mal kurz, während die dichte Wand aus kraftvoll gespielten Drums und heiserem Geschrei über Dich hinwegfegt. Dazu kommen diese unterschwelligen Melodien. Hier wird gekonnt zwischen den Stilen Post-Hardcore, Screamo, Blackmetal, Post-Rock und Crust gehüpft, so dass garantiert keine Langeweile aufkommt. Vom heftigen Orkan bis hin zu ruhigen, fast bedächtigen Passagen mit engelsgleichem Gesang ist hier alles drauf, was das Herz begehrt. Dazu kommen noch Texte, die deutlich auf den Tisch bringen, was in unserer Gesellschaft schief läuft. Thematisiert werden Abartigkeiten wie sexuelle Belästigung, Revenge Porn oder die Ausbeutung unbezahlter Praktikanten. Das ist der Soundtrack zur Hölle, in der wir leben! Ein Wahnsinns-Album, das Ding toppt sogar meiner Meinung nach die bisherigen Releases der Band.


We Were Promised Jetpacks – „The More I Sleep, The Less I Dream“ (Big Scary Monsters) [Stream]
Das vierte Album der Band aus Edinburgh, Schottland blickt auf einen langen Entstehungsprozess zurück. So hat sich die Band nach der letzten Tour im Jahr 2014 zurückgezogen, um neue Songs zu schreiben. Es entstanden eine Menge Songs, die ein ganzes Album gefüllt hätten, die aber wieder verworfen wurden, weil die Band damit nicht zufrieden war. Anstatt also eingängige Songs zu schreiben, besann sich die Band auf ihr Herz und spielte die Musik, mit der sich die Jungs am wohlsten fühlten. Und so entstanden diese zehn Indie-Rock-Juwelen, die ganzen Details wurden im Proberaum Stück für Stück erarbeitet, weil die Songs ohne Studiotricks funktionieren sollten. Erst als jeder Song fertiggestellt war, ging es dann ins Studio. So entstand dieser lebendige Sound, der selbst in den reduziertesten Momenten vor Spannung strotzt. Da linst auf einmal eine lottrig klingende Gitarre um die Ecke, nachdem eine Wand aus noisigem Destortionkrach eingestürzt ist, dort wird es ruhig und bedächtig. Trotzdem nisten sich die Melodien mit jedem weiteren Durchlauf im Gehör ein. Das Gitarrenriff vom Song In Light klingt nach mehrmaligem Hörgenuss richtig vertraut und auch die Songs kommen in der Reihenfolge genau stimmig. Wenn ihr das Album im Shuffle-Modus hören würdet, wäre es nicht das gleiche. Es gibt ja Alben, die nur in dieser ausgetüftelten Songreihenfolge funktionieren (Age Of Quarrel, Full Collapse, Reign In Blood z.B.), The More I Sleep, The Less I Dream gehört auch dazu. Eins meiner Lieblingsstücke lautet Make It Easier, das klingt wirklich so leichtfüßig und fluffig wie eine frische Packung Popcorn. Wenn ihr eine schöne Herbstplatte sucht, dann dürfte The More I Sleep, The Less I Dream ein hervorragender Begleiter dafür sein.


 

Quiet Slang – „Everything Matters But No One Is Listening“ (Big Scary Monsters)

Wenn alte Helden neue Bands am Start haben, dann ist man in der Regel erstmal neugierig und skeptisch zugleich. Im Fall von Alex James, der mir bis heute mit seinen Gitarrenläufen und den beigesteuerten Background-Vocals der vor einem Jahrzehnt aufgelösten Band Weston immer wieder ein Lächeln ins Gesicht zaubert, folgte mit Beach Slang eine Band, die ebenfalls bei mir Anklang fand, wenn auch nicht in dem Ausmaß von Weston. Dennoch kann dem Sound von Beach Slang das gewisse etwas nicht abgesprochen werden, v.a. wenn man auf 90’s Gitarrenmucke mit Emo-Collegerock-Tendenzen hängen geblieben ist, sind die bisher erschienenen EP’s und die zwei Alben sehr zu empfehlen.

Unter dem Namen Quiet Slang erschien jetzt also ein Album, auf welchem insgesamt zehn Stücke aus den bisher veröffentlichten Beach Slang-Tonträgern gecovert werden. Wer zur Hölle braucht anno 2018 noch ein Coveralbum? Nun, wenn man es genau nimmt, dann ist das hier auch gar kein Coveralbum, bei dem eins zu eins gecovert wurde, vielmehr kann man von Neuinterpretationen sprechen. Bei dem Typen auf dem 12inch-Cover, dessen Gesicht von ein paar Blümchen verdeckt wird, handelt es sich nämlich um Beach Slang-Kopf Alex James selbst, der seine bisher krachig bis punkig klingenden Songs in ruhigem Gewand präsentiert und daher auch selbst die volle Verantwortung trägt, ob die neuen Versionen ihre Daseinsberechtigung haben.

Die bisher prägenden Gitarrenverstärker wurden auf diesem Album durch kammermusikartige Instrumente wie z.B. Streicher, Klavier und sonstigem akustischem Krimskrams ersetzt. Den Senioren unter uns dürften solche Soundexperimente alles andere als neu sein, mit Schrecken denkt man dabei an Formate wie MTV Unplugged zurück. Das wohl bekannteste Unplugged Konzert ist bis heute das von Nirvana, vielleicht auch gerade deshalb, weil unter den dargebotenen Stücken lediglich eine Eigenkomposition (Come As You Are) war, der Rest bestand aus Coverversionen anderer Bands. Jedenfalls funktionieren die zehn Stücke auch in diesem reduzierten Gewand hervorragend. Den Songs wurde sozusagen frisches Leben eingehaucht, Piano und Streicher triefen vor Herzschmerz, dazu gesellen sich an manchen Stellen zum eindringlichen Gesang noch schöne Chorgesänge, die richtig unter die Haut gehen. Wenn man es also mal etwas ruhiger angehen möchte, kann man hier sehr schön eintauchen. Bockt natürlich so richtig auf Vinyl, zudem liegt die stabile Plattenhülle aus dickem Pappkarton schön in der Hand, trotzdem find ich die Originalversionen ’nen ganzen Ticken besser.

7.5/10

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The Get Up Kids – „Kicker“ (Big Scary Monsters)

Manche Platten haben so einen starken Ewigkeitscharakter und verströmen gleichzeitig auch Jahrzehnte nach Veröffentlichung noch den Geschmack und den Duft des Sommers. Zu dieser Kategorie zähle ich persönlich das Something To Write Home About-Album der Get Up Kids. Wahnsinn, wie oft das Ding bei mir seine Runden drehte bzw. immer noch dreht, noch etliche Runden mehr als das Debütalbum und alle nachfolgenden Releases. Zudem hat das zum Album gehörige Promo-Poster, in welchem einst ein paar beim Mailorder bestellte Platten eingewickelt waren, seit Jahren einen Ehrenplatz im heimischen Wohnzimmer erhalten. Und natürlich gibt’s zu dem Poster auch eine Geschichte. Es wurde nach Erhalt liebevoll gebügelt (!) und auf einen extra zugeschnittenen Karton gekleistert. Es war eine Katastrophe, als unser damals noch lebender Kater einmal quer mit den Krallen drüber schrammte. Keine Ahnung, warum dieses verrückte Vieh das damals machte. Zum Glück konnte ich das Poster restaurieren, trotzdem schleichen sich durch die Kratzspuren Erinnerungen an den impulsiven schwarzen Kater ein. Mittlerweile ist er leider verstorben. Der hatte einfach die pure Zerstörungswut, da konnte man schon mal von einem anstrengenden Arbeitstag nach Hause kommen und fand eine komplette Familienpackung Klopapier fein säuberlich zerkleinert und in Millionen Stückchen auf jeden Raum in der Wohnung verteilt vor.

Nun gut, nachdem die Get Up Kids das Zeitliche gesegnet hatten und ein paar Jahre später eine Reunion stattfand, war ich von dieser ein wenig enttäuscht, zumal mir die 2010er EP Simple Science etwas zu lieblos erschien und mich nicht unbedingt vom Hocker reißen konnte. Auch mit dem aktuellen Solo-Album von Matt Pryor konnte ich mich bislang nicht unbedingt anfreunden, so dass meinerseits ein wenig Skepsis gegenüber der neuen EP bestand. Diese verflüchtigte sich aber bereits bei den ersten Klängen der digitalen Promo, so dass ich einen Luftsprung machte, als ich im neulich eingetroffenen Promopaket aus dem Hause Fleet Union die EP in Form einer 12inch vorfand. Pünktlich zur Fußball-WM wurde das Ding schlicht mit Kicker betitelt. Und während die Fußball-WM für mich persönlich ungefähr das langweiligste Ereignis dieses Planeten ist, kickt mich diese EP hingegen einmal kräftig in den Allerwertesten. Es sind zwar nur vier Songs, aber die versprühen alle diesen jugendlich-melancholischen Charme, der auch auf Something To Write Home About an allen Ecken zu entdecken ist und diese Platte so besonders macht. Die Stimme von Matt Pryor hat also immer noch das Zeug dazu, dir die Nackenhärchen aufzustellen.

Das Kicker-Motiv wurde übrigens nicht wegen der WM gewählt. Die Jungs haben sich auf Tour das Warten auf den Gig mit sehr viel Tischfußball verkürzt. Angeblich soll sogar im Proberaum der Band mittlerweile so ein Tisch stehen. Spieltrieb scheint also weiterhin vorhanden zu sein, auch wenn die Get Up Kids mit der Zeit irgendwie erwachsen geworden sind. Das behaupte ich jetzt einfach mal flapsig anhand der Texte, die aus einem anderen Blickwinkel heraus das Leben der Ü40-Generation beschreiben. Ja, nicht nur ihr seid gealtert, auch die Get Up Kids sind mittlerweile alle über vierzig und haben teilweise schon Nachwuchs, da fokussieren sich die Dinge etwas anders. Was geblieben bzw. zurück ist, ist der jugendliche Leichtsinn in Bezug auf die Musik. Die Gitarren erzeugen mit ihren hymnischen bis fuzzigen Melodien richtige Glücksgefühle, dazu gesellen sich die schwurbelnden Keyboards und natürlich der einfühlsame Gesang von Matt Pryor. Und die Refrains, die sich ins Ohr drehen. Hört mal den Anfang von I’m Sorry! Da hüpft doch das Herz! Und auch die anderen Songs schlagen in die gleiche Kerbe. Das ist der Sound, den man sich für die perfekte Klassenfahrt wünscht! Die Get Up Kids sind wieder zurück!

8.5/10

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